Alex Guofeng Cao (né en 1969 en Chine) propose des œuvres photographiques qui jouent avec les icônes culturelles populaires, suggérant une multiplicité de lectures et questionnant la véracité de l’image. La technique est toujours la même : un portrait en grand format, composé en réalité d’une multitude de petits portraits, répétés sur le support, créant un lien fort entre deux acteurs de notre Histoire contemporaine.

Ainsi, dans Jackie vs JFK II, une première image fait face au spectateur : le portrait de Jackie Kennedy, première dame des Etats-Unis, qui regarde avec des yeux étincelants vers l’avenir. Son visage rayonnant est en réalité composé de vignettes miniatures de son mari, John F. Kennedy, président des Etats-Unis entre 1961 et 1963. Cette photographie insiste sur le lien fort qui unissait ce couple si célèbre et qui incarnait au début des années 60 l’optimisme américain. Au sein même des petits formats, l’artiste a pris le soin d’insérer quelques anomalies visuelles, qui complètent l’histoire des deux personnages.

En exploitant des visages parmi les plus reconnaissables du vingtième siècle (de la même manière, il a fait dialoguer Marilyn Monroe et Mona Lisa, John Lennon et Elvis Presley, Andy Warhol et Mao, Gandhi et Mère Teresa, Frank Sinatra et Liza Minell, etc.), Alex Guofeng Cao crée du lien entre les différents pans de notre Histoire, tout en proposant des œuvres à la fois séduisantes par leur effet visuel instantané et par la narration qui en découle.

André Carrara (né en 1939 à Paris) se plait à dire qu’il est venu à la photographie de mode par amour des femmes. Et il est vrai que durant ces 40 années de collaboration avec les magazines de mode les plus prestigieux (Vogue, Glamour, Elle), il n’a eu de cesse de célébrer le genre féminin.

Son travail témoigne également de sa passion pour le septième art. Au travers de ses portraits en noir et blanc, il évoque Rossellini, Bergman ou Bunel. Autant de réalisateurs qui, par le biais de leurs films, ont pu magnifier leurs muses et auxquels André Carrara rend hommage dans ses clichés.

Dans le portrait Cathy, le photographe est à la recherche d’une unité parfaite afin de rendre l’atmosphère fugitive d’un instant et le miracle de la lumière unique. André Carrara travaille souvent avec des jeunes femmes qui ne sont pas nécessairement mannequins, mais des femmes qu’il a rencontrées et qui posent pour la première fois devant un objectif. Dans ses portraits, André Carrara cherche à capter un moment de grâce, l’instant ou le modèle oublie son objectif, pour livrer un portrait plus intime.

Armand Fernandez est né en 1928 à Nice, et décède à New-York en 2005. En 1946, alors étudiant à l’Ecole des Arts Décoratifs de Nice, il se lie d’amitié avec Yves Klein dans un cours de judo. C’est en hommage à Vincent Van Gogh et sous l’influence de Nicolas de Staël et Serge Poliakoff que l’artiste décide de signer de son prénom, mais suite à une erreur d’impression sur un carton d’invitation le d est retiré. Dès lors son nom d’artiste devient simplement « Arman ».

Yves Klein, en 1960 présente Arman à Pierre Restany, grand critique d’après-guerre, et introduit le jeune plasticien auprès des Nouveaux Réalistes dont il devient membre-fondateur. Arman s’intéresse au statut de l’objet et au rapport que les sociétés modernes entretiennent avec celui-ci, entre sacralisation et consommation. Les œuvres qui impliquent la destruction sont en fait le résultat de cette même destruction. Celle-ci prend la forme de colères, de coupes ou de combustions. Connu pour malmener les instruments de musique, ce violon dont le titre illustre la figure d’un phénix de bronze renait de la gangue de ses cendres.

Le titre de l’œuvre nous rappelle le nom d’un célèbre opéra à Venise, La Fenice (Le Phénix). Achevé en Avril 1792, il remplaçait à l’identique l'original du théâtre San Benedetto, détruit par le feu. En 1996 le théâtre est à nouveau détruit par un incendie, mais rouvre en 2003, toujours immortel.

« Comme souvent dans mon travail, l’écriture néon inscrit des lieux communs du langage liés à l’existence ou à la réalité quotidienne. L’intérêt pour moi de reproduire en néon ce type de phrase avec une écriture tremblée, hésitante est qu’elle peut être perçue à double sens, tout à fait le contraire d’une citation ou d’une injonction. Certaines des phrases que je choisis sont en anglais et peuvent faire référence à des morceaux de musique qui m’ont marqué.» A première vue, une simple phrase, un tracé à main levée, enfantin et maladroit. Et pourtant, c’est une décharge électrique et émotionnelle que Claude Lévêque flanque au visiteur. L’impact qu’elle provoque est double : le désir héroïque d’un être qui exprime son souhait de durer, de traverser le temps, couplé à cette absurdité d’un souhait déjà voué au néant. Le trajet d’un désir en quelque sorte, de sa naissance à sa mort. Provocatrice et culottée, cette phrase mise en lumière permet justement de faire éclore cette fragilité, cette lueur d’espoir qui fait naître une tendre poésie.

Telle est l’ambivalence choisie par Claude Lévêque : un chuchotement qui marie inextricablement l’espoir et la révolte. Prendre conscience de ses propres archives autobiographiques, « Aller jusqu’au bout » de ses souvenirs et de ses engagements pour mieux appréhender le présent et perdurer. L’enfance perdue est de nouveau mise à l’honneur par Claude Lévêque : « Cet univers lointain me fascine parce que c’est l’arrivée dans un monde. Un état contemplatif que j’ai conservé, je le crois bien. » Réhabilitée et gardienne des portes du Château Labottière, elle trône et incite les néophytes de ce parcours d’exposition à s’inscrire dans une démarche collective pour plonger au cœur du travail de l’artiste.

Loin de la Venise officielle, et des haut-lieux culturels arpentés quotidiennement par les hordes de touristes, Denis Robert parcourt la Venise ordinaire, ses ruelles étroites, et petits canaux. C’est avec sérénité et poésie que ses photographies révèlent l’autre beauté de Venise : les reflets émeraude d’un canal, l’ocre rouge et poreuse des murs de brique, le calme d’une après-midi d’été, le clapotis reposant de la lagune passé minuit. À travers ses vues de Venise, Denis Robert réussit à capter des instants hors du temps, pour livrer un portrait plus intime de la ville : La Venise des vénitiens.

Quoi de plus fragile que le verre ? Quoi de plus fabuleux qu'élaborer des formes infinies à partir de quelques matériaux grossiers (le verre est la fusion de silice, de soude et de chaux) ? Cette alchimie, cette transformation, les verriers de Murano la vivent quotidiennement. Et pourtant, même dans leurs rêves les plus fous, ils n'avaient sans doute jamais pensé qu'avec ce sable qu'ils transforment habillement, colorent puis sculptent, Jean-Michel Othoniel (né en 1964) en élaborerait des sculptures. Tout comme l'était le défi de l'érection de la tour de Babel évoquée dans la Genèse (11. 9-11), cette sculpture de Jean-Michel Othoniel défie les lois de l'attraction et se veut un lien entre mondes aériens et terrestres :  la tour de Babel était censée atteindre le ciel et les perles de verre arrivent ici à s'extraire du sol et à défier la loi de la gravité. Pour réaliser ces colliers de perles entrelacées, la participation de nombreux artisans a été nécessaire et l'artiste reprend ici l'idée d'une langue commune, voire universelle puisque dans ce passage de la Genèse, les hommes parlent encore la même langue. Ces principes sont essentiels pour l'artiste. Revendiquant un retour des métiers d'art dans la création, il ne cesse de travailler avec les verriers de Murano depuis 1993 et poursuit ainsi une tradition chère à cette ville, faire le lien entre différentes cultures, construire du beau à partir de rien, ne pas donner à voir la difficulté que cela représente, tendre à un idéal d'absolu, de fusion, tant des matériaux que des êtres. En effet, comment ne pas voir aussi dans ces perles de verre à la fois solides, transparentes, douces, presque sensuelles une évocation de la sublimation de l'amour. D'ailleurs ces nœuds, si on les regarde attentivement, ne seraient-ils pas plutôt des cœurs ?

« Ce qui m’a tout de suite frappé chez Françoise, c’est qu’elle n’avait aucune conscience de son incroyable beauté. Pour un photographe, c’est une situation idéale, et pour le jeune homme que j’étais ce fut un vrai choc. » (Jean-Marie Périer)

En 1962, le photographe rencontre Françoise Hardy à l’occasion d’un shooting pour Salut les Copains. Il en découlera une relation amoureuse et quelques 200 clichés.

Doté d’un sens aigu de l’esthétisme, Jean-Marie Périer (né en 1940) saura révéler et mettre en valeur les atouts de la timide jeune femme, la transformant en une femme à l’allure moderne, une icône de l’avant-gardisme, une véritable égérie. Comme en témoigne cette photographie de 1966 où l’idole de la scène musicale française pose dans une minirobe à l’allure futuriste, spatiale, du couturier Paco Rabanne. Sous l’objectif de Jean-Marie Périer, Françoise Hardy assoit son image en revêtant des tenues d’avant-garde d’Yves Saint Laurent ou encore de Paco Rabanne. Ces derniers la choisiront comme ambassadrice de cette mode préfigurant la femme des années 2000.

Plus qu’une simple photographie, ce portrait pose un regard intime sur cet emblème de la scène musicale française, tout en marquant à jamais le style Paco Rabanne.

Né en 1963 à Sint-Truiden en Belgique, Johan Creten est l’un des précurseurs du renouveau de la céramique dans l’art contemporain. Il a, entre autres, suivi les enseignements de l’Ecole des Beaux-arts de Gand, de Paris puis d’Amsterdam, a été pensionnaire de la Villa Médicis de Rome entre 1996 et 1997, a exposé au Bass Museum of Art de Miami Beach et a été accueilli en résidence à la Manufacture nationale de Sèvres.

C'est dans ce lieu qu'il a développé le travail du grès et de la porcelaine, la sculpture et la céramique ; pratiques ancestrales qu’il revisite par un traitement singulier de l’émail, par une recherche perpétuelle de cette matière organique et de son potentiel plastique. Odore di Femmina – Ecto tient son nom de l’expression « Odeur de femme » empruntée au Don Juan de Mozart et nous plonge dans une tension délicate, entre l’Eros et le Thanatos, entre la mort et l’amour, inhérents à l’érotisme. Johan Creten crée ici une métonymie visuelle en évoquant le parfum de la femme par la représentation de la fleur, dont les formes évoquent parfois celles du sexe féminin.

LaToya Ruby Frazier (née en 1982) conte les récits contemporains de l’urbanisation croissante et de l’ère postindustrielle ainsi que de ses effets sociaux, par les moyens du portrait et de la photographie documentaire. Actuellement critique en photographie à l’école d’art de Yale et commissaire aux Galeries de Masson Gross à l’Université de Rutgers où elle enseigne également, elle a participé en 2010 au PSI du Moma à New York et à la Biennale de Whitney en 2012.

La série « Notions de famille » représente l’artiste et sa propre famille, au travers des traits des trois générations des femmes photographiées pendant neuf années. Ainsi, de sa grand-mère à elle-même, elle trace par l’intime, par les corps, par la vieillesse et la maladie, par les visages, le portrait de sa ville d’enfance, Braddock, dont l’industrie s’effondre. On y retrouve des influences des photographies documentaires américaines des années 30, de Walker Evans et Dorothée Lange, la notion d’autoportrait en plus, comme chez Diane Arbus.

Mom holding Mr Art représente ici la mère de l’artiste, enlaçant affectueusement un homme, qui pourrait être son compagnon. Le cadrage serré intègre le spectateur dans ce moment d’affection, teinté d’une certaine mélancolie dans les visages.

Lee Jeffries est un photographe autodidacte. Il s’est auto-financé pour aller de Los Angeles à Rome en passant par Las Vegas, New York, Londres et Paris afin de photographier les sans-abris. Depuis le début de ce projet et dans une démarche altruiste, il ramasse des fonds pour des associations caritatives qui viennent en aide aux sans-abris. Bien qu’il ne considère pas pouvoir changer la vie de ces personnes, Lee Jeffries a la volonté d’attirer l’attention sur elles et sur leurs conditions, afin d’engendrer des notions de conscience sociale et collective.

La série des sans-abris a été entamée en 2008, à Londres, alors que le photographe était dans la capitale anglaise pour courir un marathon. En balade avant l’épreuve, et muni de son appareil photo, il a photographié une femme sans abri. Plutôt que de continuer son chemin, il a discuté avec cette femme et s’est alors engagé à représenter ces personnes, ces « Anges perdus» et leur histoire, dans toute leur humanité. Car en effet, c’est au cours du récit de chaque personne, empreint d’émotion, que Lee Jeffries saisit ses modèles. Ce sont alors des portraits intimes qui s’offrent au spectateur, le cadrage serré créant une proximité immédiate avec le sujet ; ces personnes que l’on regarde toujours, mais de loin. Le traitement en noir et blanc, avec une mise au point très proche et une faible profondeur de champ, permet au photographe de se défaire de tout misérabilisme. Le portrait de la Collection de l’Institut Culturel Bernard Magrez, intitulé Skid Row II est un portrait pris dans le quartier du même nom à Los Angeles. L’effet d’ombre et de lumière est quant à lui une pratique d’éclairage intégrée par l’artiste lors de son voyage à Rome, donnant un aspect iconique à ces portraits. Enfin, c’est par un travail de retouche de l’image que le flou se crée au-delà des limites du visage, creusé des sillons de la vie.

Née en 1960 à Brooklyn (New York), Lorna Simpson est diplômée de l’Ecole des arts Visuels de New York et de l’Université de Californie à San Diego. Avec une formation solide en arts visuels et par la pratique de la photographie documentaire, elle en vint assez rapidement à questionner la photographie pour en faire un art contemporain en le combinant à d’autres pratiques plastiques, dévoilant des strates de sens sous-jacents en chargeant la parole active de l’image. D’abord reconnue dans les années 80 pour ses portraits de femmes afro-américaines, questionnant les cultures, les genres et les histoires, en 1990, c’est pour ses grands formats sur feutre qu’elle a du succès. Plus récemment elle a travaillé sur la vidéo et les images tirées de films ou d’archives photographiques, les manipulant ou les mimant. Exposée dans des lieux américains prestigieux, à la Biennale de Venise en 1990 et en 2013 au Jeu de Paume à Paris, elle a reçu en 2010 le prix du centre international pour sa photographie artistique. Dans la volonté d’agiter l’imagination du spectateur, ses images sont régulièrement accompagnées de textes, ajoutant du sens ou de la lecture à la représentation.

Elle étire donc les possibilités du médium photographique et de sa représentation fidèle de la réalité en détournant le tout. Ainsi dans Crown, elle ajoute une éruption d’encre bleue à une photographie noir et blanc, le tout prenant alors vie et espace dans un grand cadre crème. La combinaison des mediums est fluide et ils se mettent mutuellement en valeur. « J'essaie de construire des personnages complexes qui ne répondent pas à un stéréotype - géographique, identitaire, sexuel ou racial - et impliquent tout le monde. »>

Mise en place au milieu du XXe siècle dans la pièce de l’angle nord-est de l’Hôtel Labottière, une série de peintures évoque ce que l’on appelait les Provinces-Unies et que nous désignons aujourd’hui sous le nom de Pays-Bas. La provenance de ces œuvres est inconnue, mais on sait qu’elles datent du XVIIIe siècle si l’on en croit les costumes des personnages représentés, ainsi que l’allure des constructions qui rappelle celles des provinces occidentales de ce pays à cette époque. Les paysages de dunes, les canaux et leurs écluses, les champs clos, les villes ports et châteaux témoignent de son opulence. Il commerçait déjà avec le monde entier, ici en témoigne la présence d’un négociant levantin reconnaissable à son costume exotique, il fut pionnier en matière de physiocratie, là deux éleveurs semblent s’intéresser à une vache et des moutons, ailleurs un moulin souligne le côté industrieux du peuple batave. Une scène de cabaret en plein air renvoie à la tradition des scènes de genre de Teniers. La présence à Labottière de ces représentations urbaines, champêtres, bucoliques ou portuaires, même si elle est fortuite, concorde heureusement avec l’esprit de ce lieu. Il fut construit à la campagne pour des Protestants, libraires et imprimeurs, très liés au milieu des négociants hollandais dont la toponymie du quartier des Chartrons conserve le souvenir et qui de plus ne pouvaient pas manquer d'être en rapport avec les Provinces-Unies. C’est là où étaient imprimés ou censés être édités nombre d’ouvrages de l’époque des Lumières.

Pierre et Gilles se rencontrent en 1976 à un moment où la pratique photographique est encore fortement gouvernée par les codes de l’art conceptuel ou du geste documentaire. Une certaine rigueur est mise en avant par l’usage du noir et blanc et le bannissement de la subjectivité. Loin de cette tradition, les activités artistiques de Pierre et Gilles convergent autour d’une envie commune : mêler peinture (Gilles) et photographie (Pierre) dans un grand mouvement de synthèse colorée, que l’on a pu qualifier de « néo-pictorialisme ». A travers le pastiche, le travestissement, tout un pan de la production artistique des années 1980 va progressivement s’éloigner de l’abstraction pour réaliser des œuvres à la fois osées et maniéristes, conscientes des codes de la représentation avec lesquels elles jouent. S’inspirant d’une iconographie fortement imagée, celle d’un baroque ostentatoire parsemé de références bollywoodiennes, bibliques ou mythologiques, le travail de Pierre et Gilles prend sa source dans une culture populaire qu’il s’agira de remettre en scène. Les passerelles qu’ils ont contribué à construire entre le monde de la mode, du spectacle et de l’art ont par ailleurs fait d’eux des pionniers. Leurs premières photographies retravaillées à la peinture, dans les années 1970 et 1980, proposent, dans une gamme chromatique violente, des mises en scène à la fois fantasmatiques et identifiables. C’est le genre bien connu du portrait qui retient leur attention et auquel ils vont donner un tour subversif : érotisées, maquillées, idéalisées, les figures qui peuplent l’univers de Pierre et Gilles ne semblent pas tout à fait humaines. C’est le cas ici, le modèle, Olivier Theyskens, styliste belge, dérange bien entendu toutes les règles : le regard provoquant, la jeunesse affirmée, les mains ensanglantées, le fond kitsch sur lequel il s’inscrit pastichent avec désinvolture la représentation canonique de Gustave Courbet. Pierre et Gilles se sont fait une spécialité de ces citations, reprises d’images pieuses ou iconiques.

Damien Hirst débute sa carrière artistique en produisant des œuvres dont les matériaux nous interpellent autant par leur diversité que par leur caractère insolite. Très tôt l’artiste se démarque par l’utilisation de corps d’animaux dans ses œuvres. Son travail est une réflexion sur les rapports entre la vie, la mort et l’art. La relation particulière qu’entretient Hirst avec la mort s’explique par la curieuse activité qui lui a permis de financer ses études. Effectivement c’est dans une morgue qu’il a décidé de travailler dans sa jeunesse, ce qui a déclenché en Hirst une véritable fascination pour la chaire et la mort.

De son côté, John Rankin Waddell est un photographe de mode britannique qui travaille principalement sur le nu féminin. En s’associant dans l’œuvre Painted Skulls 2 (eyes open), les artistes réunissent deux univers intrinsèquement opposés : d’une part l’esthétique du nu féminin et d’autre part la morbidité du crâne. Puisque « tout est vanité », Hirst retrouve dans cette œuvre un élément qu’il a déjà travaillé : le crâne. Avec For the love of God, un crâne humain recouvert de diamants, Hirst avait déjà renouvelé la symbolique du crâne qui remonte aux natures mortes hollandaises. Dans Painted Skulls 2 (eyes open) la vanité est ici habillée de chrome ; sa luminosité contraste avec le corps peint en noir. Caché derrière cette couronne de crânes, le corps disparait progressivement, comme enseveli.

Photographe d’origine italienne Alessandra d’Urso (née en 1978 à Milan) choisit la ville de New-York pour étudier la photographie à l’International Center of Photography et le film à la New York Film Academy. Jeune diplômée, c’est à Paris qu’elle débute sa carrière à l’agence Magnum avant de travailler pour différents magazines. Alessandra d’Urso considère « La photographie comme la poésie ou le rock’n’roll » il ne s’agit pas « d’un métier, c’est un mode de vie », c’est pourquoi durant dix ans, elle se consacre à la photographie-reporter, photographie de mode et devient photographe itinérante sur des tournées de musiciens, capturant les moments de vie de grands musiciens actuels tels que Iggy Pop, Jack White ou Jay-Z.

Jouant sur la notion de lumière, l’ombre et la texture des photographies, les portraits en noir et blanc d’Alessandra d’Urso métamorphosent les corps. Usant parfois de panoplies, accessoires, masques, et fourrures, ces créatures au regard noirci témoignent de l’impossibilité de fixer une identité. Les photographies d’Alessandra d’Urso sont désormais publiées dans de grands magazines tels Vanity Fair, Marie-Claire, Next Liberation, Modzik...p>

Philippe Pasqua, né en 1965 à Grasse, est devenu en peu de temps l’un des artistes majeurs de sa génération. Cet artiste autodidacte fait de la figure humaine son leitmotiv et la peint sur des toiles magistrales, figuratives à travers des portraits et des corps. Les sujets qu’il choisit sont singuliers ; qu’il s’agisse de prostituées boudeuses, de travestis ou d’aveugles, Philippe Pasqua les retranscrit avec une émotion forte. Il préfère travailler d’après modèle et organise des séances de photos avec des modèles qu’il cadre en gros plan et en contre-plongée.

La vision des œuvres de Philippe Pasqua choque, dérange, interpelle. Certains en appellent au choc physique, à une violence de la figuration. Pourtant, les corps nus et plus particulièrement les visages démontrent toute la vulnérabilité de l’être humain et sa fragilité. Cette fragilité que Philippe Pasqua met en exergue à travers sa propre figuration de l’humanité, avec une certaine franchise et un expressionnisme intense.

Photographe d’origine italienne Alessandra d’Urso (née en 1978 à Milan) choisit la ville de New-York pour étudier la photographie à l’International Center of Photography et le film à la New York Film Academy. Jeune diplômée, c’est à Paris qu’elle débute sa carrière à l’agence Magnum avant de travailler pour différents magazines. Alessandra d’Urso considère « La photographie comme la poésie ou le rock’n’roll » il ne s’agit pas « d’un métier, c’est un mode de vie », c’est pourquoi durant dix ans, elle se consacre à la photographie-reporter, photographie de mode et devient photographe itinérante sur des tournées de musiciens, capturant les moments de vie de grands musiciens actuels tels que Iggy Pop, Jack White ou Jay-Z.

Jouant sur la notion de lumière, l’ombre et la texture des photographies, les portraits en noir et blanc d’Alessandra d’Urso métamorphosent les corps. Usant parfois de panoplies, accessoires, masques, et fourrures, ces créatures au regard noirci témoignent de l’impossibilité de fixer une identité. Les photographies d’Alessandra d’Urso sont désormais publiées dans de grands magazines tels Vanity Fair, Marie-Claire, Next Liberation, Modzik...p>

Sebastiao Salgado est né en 1944 au Brésil. C’est à partir de 1974 qu’il entame son parcours photographique. Ce sont d’abord des études en économie qu’il va engager à l’université de Sao Paolo puis à la Vanderbilt University aux Etats-Unis, formation qui l’amène à travailler pour l’Organisation internationale du Café. C’est au cours de ces missions qu’il va développer sa pratique de la photographie pour s’y engager complètement en 1973 puis travailler pour des agences de photographie internationales telles que Magnum et Sygma avant de fonder sa propre agence, Amazonas Images avec son épouse en 1994. Il pose, au travers de sa photographie, un regard sur les évolutions de ce monde. Immortalisant d’abord les différents peuples du monde et les différentes conditions humaines, avec des séries comme « Sahel, l’Homme en détresse » (1986) ou « Workers » en 1993,  c’est récemment aux territoires vierges de toutes traces humaines que le brésilien s’est intéressé dans son tout dernier projet, « Genesis », présenté à la Maison Européenne de la Photographie en 2013.

Travaillant en noir et blanc, Sebastiao Salgado s’est appliqué, depuis ses quarante années de carrière, à donner à comprendre le monde au travers de ses reportages photographiques, travail humaniste pour lequel il a été récompensé. Il s’est lancé dans des projets de témoignages photographiques des différentes situations humaines, dues aux évolutions industrielles ou épargnées par ces dernières, et il s’est engagé auprès de ces populations avec l’OMS, Médecins sans Frontières et l’Unicef.

Ancien élève de l’école royale des Beaux-arts de Bangkok et sculpteur sur verre, Silpawit Poolsawat (né en 1972) propose avec Porcelain Dool un portrait de femme asiatique en très grand format. Le cadrage est serré sur un visage de face, le regard est dirigé vers le spectateur, et la peau blanche est teintée de couleurs crème et pastel. L’ambiance est pâle, avec des traits de pinceaux comme un coup de vent venant insuffler du mouvement à ce visage de porcelaine. Porcelain Dool nous fixe de son regard noir, et aucun vent ne saurait empêcher cela, ni voiler la douceur qui en résulte vraiment.

Ancien élève de l’école royale des Beaux-arts de Bangkok et sculpteur sur verre, Silpawit Poolsawat (né en 1972) propose avec Porcelain Dool un portrait de femme asiatique en très grand format. Le cadrage est serré sur un visage de face, le regard est dirigé vers le spectateur, et la peau blanche est teintée de couleurs crème et pastel. L’ambiance est pâle, avec des traits de pinceaux comme un coup de vent venant insuffler du mouvement à ce visage de porcelaine. Porcelain Dool nous fixe de son regard noir, et aucun vent ne saurait empêcher cela, ni voiler la douceur qui en résulte vraiment.

Photoreporter américain, Steve Mc Curry sillonne le monde entier à la recherche d’un inattendu, d’un « moment du hasard maîtrisé, qui permet de découvrir par accident des choses intéressantes que l’on ne cherche pas ». Ses tirages sont comme une recherche de vie dans la guerre et font le portrait authentique de la condition humaine.

Cette photographie est l’exemple même de la situation des habitants de Porbandar pendant la période de mousson. Le niveau de pluie est tellement impressionnant en cette saison, que le photographe tenait particulièrement à explorer l'événement. Phénomène naturel complexe, entre inondations et tempêtes de poussière, les habitants doivent faire face quotidiennement à ces cycles destructeurs : « Il pleut soit trop ou pas assez…», explique le photoreporter dans son ouvrage  Steve Mc Curry, indicibles.

Il photographie, lorsque cela est possible, en haut des bâtiments ou à bord de petits bateaux, mais le plus souvent, dans l'Etat indien du Gujarat, il a été contraint d'entrer dans l'eau. « J'ai pris une chambre au deuxième étage d'un hôtel qui était vide, sauf pour le veilleur de nuit. Le rez-de-chaussée a été inondé, nous avions de l'eau jusqu'aux genoux jusqu'au seuil des escaliers. Pendant quatre jours j'ai ‘pataugé’ avec ma paire de tennis dehors dans le village, submergé par l’émotion et à photographier ce qui m’entourait. Un représentant local portait mon sac photo. J'ai travaillé pendant huit heures par jour dans l'eau qui était profonde et visqueuse, probablement infesté par le choléra, et où les animaux morts flottaient parmi les ordures. »

Cette photo, illustre parfaitement ces moments de vie difficiles. Cet homme a dû traverser la rivière avec sa machine à coudre sur l’épaule pour la sauver. En effet, bien que cet objet semble anodin, c’était la seule chose qui lui restait pour pouvoir travailler.

Photoreporter américain, Steve Mc Curry sillonne le monde entier à la recherche d’un inattendu, d’un « moment du hasard maîtrisé, qui permet de découvrir par accident des choses intéressantes que l’on ne cherche pas ». Ses tirages sont comme une recherche de la vie dans la guerre et font le portrait authentique de la condition humaine.

Telle une icône du désarroi civil face aux conflits armés, cette Fille afghane a fui son village pour le camp de réfugiés de Nasir Bagh au Pakistan. C’est dans une école de ce camp qu’a été pris ce cliché, en 1984, alors qu’elle avait une douzaine d’années. A la une du magazine National Geographic de juin 1985, ce portrait mystérieux fait alors le tour du monde. En 2002 cette femme est retrouvée et ce visage se voit enfin attribuer un nom : Sharbat Gula.

Vik Muniz est un artiste brésilien né en 1961 à Sao Paolo, qui travaille à New York et Rio de Janeiro. Il a développé une pratique spécifique du portrait au travers de reproductions de figures populaires composées d’éléments variés. Portraits de chocolats, de spaghetti ou de déchets, les éléments sont combinés par coloris pour créer les teintes ou les ombres des visages. En portrait ou en buste, de la Gorgone Méduse à Marily Monroe, Vik Muniz donne une nouvelle dimension à l’art du portrait en le combinant à des produits représentatifs de la consommation contemporaine et de ses variations colorées.

« Je n’étais pas très à l’aise avec la couleur. J’ai toujours été un dessinateur, pas un peintre. Parce que dessiner avec une couleur, ça va. Deux couleurs c’est déjà un problème. Trois couleurs, on a au mieux un Mondrian… au pire une catastrophe. Et quatre, cinq, six, là ; il faut être né avec une certaine aptitude visuelle, intellectuelle aussi. Par exemple, quand je regarde Raphaël, L’Ecole d’Athènes, au Vatican, j’ai presque mal à la tête. Comment a-t-il fait ça? » Et c’est pourtant au travers de manuels aux couleurs criardes qu’il s’est familiarisé avec l’histoire de l’art et qu’il a cultivé ce goût pour une expression artistique graphique presque populaire. C’est d’ailleurs par le graphisme pour des agences publicitaires qu’il a entamé sa carrière professionnelle.

Point de couleurs toutefois dans le portrait de la Collection de l’Institut Culturel Bernard Magrez, mais des diamants pour la série éponyme qui reproduit les portraits de « divas » telle Catherine Deneuve ou Romy Schneider. Ici, c’est l’actrice italienne Monica Vitti, égérie du réalisateur Michelangelo Antonioni, qui est mise à l’honneur par les précieuses pierres.

Né à Lyon en 1963, Xavier Veilhan est un artiste reconnu de la scène contemporaine française et internationale. À la fois sculpteur, photographe, peintre et vidéaste, il a exposé au Château de Versailles, à New York et en permanence à Bordeaux avec le Lion bleu de la place Stalingrad. Ce lion est un des exemples de cette statuaire monolithique à facettes, devenue l’une des « marques de fabrique » de l’artiste. De même facture, la statue de l’architecte Claude Parent siège fièrement dans la Collection de l’Institut Culturel Bernard Magrez.

Bien que l’architecte et le Lion soient marqués de ce traitement significatif, c’est dans l’épuration des formes et dans la sacralité moderne qui en résulte que l’on reconnait les œuvres de l’artiste français. Il travaille sur les attitudes et les postures de la figure humaine et le rapport à l’environnement, naturel ou architectural, qui en résulte. C’est à ce titre que ses œuvres s’installent aussi bien en extérieur qu’en intérieur, parfois même en s’intégrant à l’architecture comme le font ses Architectones.

Pour sa part, Alice, figure humaine démesurée, est entièrement lisse, tout comme Marine, autre œuvre de l’artiste dans la Collection de l’Institut Culturel Bernard Magrez. Elle fut créée, comme toutes les sculptures à figure humaine de l’artiste, à partir d’un modèle vivant, photographié en trois dimensions et modélisé par différents logiciels à partir desquels le choix de la facture est appliqué (facette, rainures ou lissage). Alice est tout de même multifacettes dans ses versions. Jaune, noire ou dorée, elle reste posée sur ses talons le regard vers l’horizon. En bleu nuit, elle est facettée et debout, les mains fièrement posées sur les hanches devant le grand centre commercial L’Avenue à Shanghai.

Après Matisse et Picasso, Bernard Buffet est l’un des peintres français les plus célèbres du XXe siècle, mais également l’un des plus décriés.

Bernard Buffet débute en 1943 aux Beaux-Arts de Paris dans l’atelier d’Eugène Narbonne. Dès 1946, il expose ses premières toiles au Salon des moins de trente ans mais aussi au Salon des Indépendants. A peine âgé de 19 ans, le jeune artiste se fait remarquer notamment par le marchand de tableaux Emmanuel David. Il en découle une réelle amitié et ce dernier lui propose un contrat d’exclusivité à la Galerie Drouant-David, à Paris.

Le succès est immédiat ; Bernard Buffet est non seulement apprécié des collectionneurs, mais aussi des critiques et de nombreux peintres contemporains parmi lesquels Francis Bacon ou encore Andy Warhol. De nombreuses personnalités du monde de l’art tels Giono, Aragon, Cocteau, Druon ou encore Simon, dont il réalisera les décors et les costumes de son argument La Chambre, le considèrent alors tel un génie.

Bernard Buffet peut être perçu comme un enfant gâté de la peinture, dont la popularité s’est accrue au fil des années : à vingt-huit ans, l’artiste roulait en Rolls et achetait déjà des demeures de plus en plus fastueuses.

Vendues dans le monde entier, ses toiles reflètent l’attrait de l’artiste pour la perfection du dessin et des couleurs et témoignent de sa persévérance, son acharnement au travail, de toutes ces années passées dans ses différents ateliers. Elles traduisent aussi la mélancolie de l’artiste, de ses traumatismes d’enfance et de l’occupation sous la Seconde Guerre Mondiale. Un certain désespoir habite les œuvres du peintre, aucun de ses personnages à la maigreur extrême ne sourient, même pas les clowns. Les thèmes qu’il chérit, les natures mortes, les fleurs, les villes, les jardins, s’avèrent tristes et sa fleur favorite est l’épineux chardon.

Buffet restera fidèle à ce style, employant systématiquement ce noir profond, témoin de son mal de vivre, sous la forme de traits striant ainsi ses toiles figuratives à l’univers si singulier.

Bernard Magrez fit la connaissance de Bernard Buffet quelques années avant sa mort et une amitié très forte les lia, jusqu’au suicide de l’artiste en 1999. Vingt-neuf œuvres de Buffet ont intégré la Collection Bernard Magrez. L’artiste disait : « on ne parle pas de peinture, on ne l’analyse pas, on la ressent ». C’est donc une grande expressivité que son œuvre dégage dans les salles du Château Labottière. Paysages, natures mortes ou figures humaines, son traitement si particulier se reflète dans toutes les œuvres de la Collection.

« L’artiviste » JR (né en 1983) mêle dans son travail graphique et photographique action, engagement, liberté, identité et limites, amenant Fabrice Bousteau (directeur de la rédaction de Beaux-Arts Magazine) à le présenter comme le « Cartier Bresson du vingt-et-unième siècle ».

Réalisée en 2009, l’œuvre Vertical train through Kibera s’inscrit dans le projet monumental intitulé Women are Heroes.

Women are Heroes, véritable combat, cherche à nous interpeller sur la place des femmes dans des sociétés où elles ne sont pas l’égal des hommes.

Délaissant les portraits grimaçants qui l’ont rendu célèbre, JR décide de se rendre dans des lieux fantasmagoriques, à la fois violents et méconnus. Ici, à Kibera, un immense bidonville d’Afrique, il y photographie des femmes et plus particulièrement leurs regards. Passant du rire aux larmes, ces femmes dépourvues de biens matériels mais généreuses partagent leurs expériences, leur passé et leur désir d’un avenir plus heureux. Ces regards, JR leur cherche un trait commun, vers un seul et unique but : se rapprocher de leur humanité universelle.

En partant, JR a tenu une promesse à ces femmes, faire voyager leur histoire. À travers un graphisme simple, ces regards interrogateurs, d’une simplicité extrême, nous fixent et réveillent en chacun d’entre nous une conscience accrue du monde qui nous entoure.

Photographe et vidéaste autodidacte, Nicolas Descottes (né en 1968 à Rennes) réalise depuis la fin des années 90 des séries d’images où réalité et fiction s’entremêlent subtilement. Il ne retouche jamais ses photos mais multiplie les clichés, les angles de vue jusqu’à en obtenir un rendu spécifique.

Cette photo est extraite d’une série de 9 clichés représentant une forêt et est intitulée « Syrjajeve ».

L’artiste a commencé la série au cours d’un voyage à Odessa, port d’Ukraine qui se situe sur la Mer Noire. Il y est retourné à deux reprises, afin de perfectionner sa vision du lieu.

Cette forêt brumeuse figée par le gel, semble impénétrable et fascinante. Le spectateur est attiré par la lumière créée par les fibres de matière dans ce bois dormant. L’artiste joue de ces objets qu’on ne regarde jamais. Grâce à un long temps de cadrage et une précision acérée, Nicolas Descottes confère à cette nature une solitude prenante, envoutante, magique.

« J’aurais pu réaliser ce projet ailleurs et il pourrait même avoir une suite dans un autre lieu. Le lien photographique que j’ai voulu établir entre les personnages et les paysages est l’attrait qui provient de l’absence d’action et du manque de repères. Ainsi la forêt métamorphosée par la glace donne un sentiment d’angoisse. Certains objets sont déstructurés et deviennent alors surréalistes. Beaucoup de ces situations paraissent figées, hors du temps, hors de la réalité. » Nicolas Descottes.

Le travail photographique de Valérie Belin est centré sur le corps et la frontière entre le vivant et l’inanimé. Pas de contexte, pas de décor, un fond systématiquement neutre : le travail de Valérie Belin, fondé sur un protocole précis de mode sériel et de précision chirurgicale, gomme tout particularisme au profit d’une forme de beauté lisse, impersonnelle, artificielle et standardisée. Il développe ainsi un questionnement sur les stéréotypes, les conventions et les codes de représentation – sociaux, médiatiques, cinématographiques, véhiculés par la mode, l’industrie du luxe, etc. –, en opérant un traitement très pictural des êtres et des choses. A mi-chemin entre le portrait et la nature morte, Valérie Belin interroge ainsi les qualités mimétiques de l’art : « Bien plus qu’un moyen figuratif, la photographie m’offre la possibilité de sonder les frontières évanescentes entre la réalité et l’illusion, de révéler le surnaturalisme profond de mon travail. » Cette photographie est extraite de la série intitulée « Blackeyed Susan » (Susan à l’œil au beurre noir), qui interroge les perspectives inédites de la création photographique. Des bouquets de Cleome Spinosa, nomination latine des « fleurs araignées », créent une trame végétale et décorative sur laquelle le visage d’une femme, coiffée selon l’esthétique des années 50, apparait.

Passionné depuis l’enfance par la photographie, Jean-François Rauzier est précurseur de l’assemblage numérique, méthode reposant sur une sélection de deux images différentes assemblées ensemble grâce à des logiciels numériques. En 2002, il invente le concept d’«hyperphoto», qui consiste en l’assemblage de milliers de clichés pris au téléobjectif pour composer différents univers oniriques à partir de lieux existants.

Jean-François Rauzier prend des milliers de clichés de maisons et de bâtiments sous tous leurs angles, choisissant un sujet dont il décline les variations. Il passe ensuite des centaines d’heures à assembler les photos et construire la perspective de ses images monumentales, sans savoir ce que cela donnera in fine. Son travail met en avant l’architecture (dont les maîtres catalans Gaudi, Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch…) de façon onirique, hyperréalisme à la limite du fantastique.

Exposé dans diverses institutions- musée des Beaux-Arts de Lille, MMOMA Moscou, Fondation Annenberg à Los Angeles…- il est aussi représenté par différentes galeries en France et à l’étranger.

En guise de clin d’œil au mécène Bernard Magrez, l’artiste fait apparaître le Stradivarius Château Fombrauge, ainsi qu’un flacon du fameux grand cru classé de Saint-Emilion dans la poche du compositeur Franz Liszt.

Le Palais de la musique, ou Palau de la Musica, se situe à Barcelone, il s’agit d’un édifice de l’architecte moderniste catalan Lluis Domènech i Montaner. Jean-François Rauzier a voulu montrer son admiration pour l’architecte, pour cela il a choisi de démultiplier et de représenter sous toutes les facettes ce lieu. De Bach à Lady Gaga, plus de cent trente musiciens se trouvent rassemblés dans ce Palais de la musique orchestré par Jean-François Rauzier, exprimant l’âme du lieu.

Bharti Kher conçoit des environnements surréalistes ou teintés de fantastique, où des figures hybrides et séduisantes se révèlent être des allégories de la violence, effrayantes et cruelles. Plongé dans les questions d’identité et de culture, le travail de Bharti Kher fait largement usage de bindis. L’artiste utilise cet ornement symbolique indien, telle une signature artistique, pour parer des sculptures monumentales souvent inspirées du monde animal ou des compositions picturales sur panneaux et miroirs.

Traditionnellement préparé à partir de pigments frais et porté rituellement par hommes et femmes comme un «troisième œil» au milieu du front, le bindi est aujourd’hui fabriqué en autocollant vinyle et est devenu un accessoire de mode féminin.

L’obsession de Bharti Kher se révéla quand elle découvrit des bindis en forme de spermatozoïdes, cristallisation ironique d’un symbole masculin sur une ornementation principalement féminine. Dans Stardust II, les bindis, appliqués consciencieusement un par un, dessinent une constellation multicolore. Entre les doigts de Kher, le bindi transcende son statut banal d’objet manufacturé pour devenir un outil chargé symboliquement et esthétiquement.

Née à Xianyou en 1959, l’artiste Shen Yuan s’installe en France dans les années 1990, suite aux événements tragiques de la place Tiananmen. La cassure de l’exil constitue un tournant important dans sa pratique artistique : proche du groupe d’avant-garde Xiamen Dada. Lors de ses années chinoises, Shen Yuan développe en Europe un travail distinct, placé désormais sous le signe du décalage culturel qui marque si profondément l’artiste. Empreintes de nostalgie et d’humour à la fois, ses sculptures monumentales et installations, lui fournissent l’occasion de mener une réflexion sur les questions du langage et de l’identité, de la mémoire et de l’oubli.

Dans Un bateau, une feuille (2004), une embarcation créée à partir de morceaux de bois et de woks chargés de vivres est le point de départ poétique pour un questionnement sur l’errance. Si la forme de la barque, les ustensiles et les aliments renvoient explicitement à la culture asiatique, le bateau, dans sa simplicité formelle, évoque plus globalement l’expérience du déplacement. Volontaire ou imposé, ce dernier devient parfois épreuve de l’exil ; entre la terre quittée et le pays d’asile. Autrement dit, et comme Yuan elle-même le suggère, cette jonque représente « un lopin de terre sans racine », une manière de transporter avec soi ses traditions et le souvenir de son pays natal.

Pae White est née en 1963 à Pasadena en Californie. En 1985, elle est diplômée du Scripps College avant d’intégrer, en 1991, un Master en Art à l’Art Center College of Design de Californie.

Les œuvres de Pae White jouent sur les frontières entre art design et architecture et partagent une même fascination pour les couleurs chatoyantes, les matières sensuelles et les formes aériennes.

Pour l’installation Better Places, l’artiste, tout en évoquant une imagerie, transporte le spectateur dans un monde délibérément onirique. Pae White réinvestit ici des objets des plus banals tels que le miroir ou le papier imprimé et les met au service d’une installation au surréalisme sophistiqué.

Les œuvres de Pae White, à la fois complexes et puissamment ornementales, résistent remarquablement à un décodage didactique. Better Places, avec une capacité quasi hallucinatoire, invite le spectateur à la rêverie et à l’imagination et appelle à notre propre capacité à interpréter les choses.

Sebastiao Salgado est né en 1944 au Brésil. C’est à partir de 1974 qu’il entame son parcours photographique. Ce sont d’abord des études en économie qu’il va engager à l’université de Sao Paolo puis à la Vanderbilt University aux Etats-Unis, formation qui l’amène à travailler pour l’Organisation internationale du Café. C’est au cours de ces missions qu’il va développer sa pratique de la photographie pour s’y engager complètement en 1973 puis travailler pour des agences de photographie internationales telles que Magnum et Sygma avant de fonder sa propre agence, Amazonas Images avec son épouse en 1994. Il pose, au travers de sa photographie, un regard sur les évolutions de ce monde. Immortalisant d’abord les différents peuples du monde et les différentes conditions humaines, avec des séries comme « Sahel, l’Homme en détresse » (1986) ou « Workers » en 1993,  c’est récemment aux territoires vierges de toutes traces humaines que le brésilien s’est intéressé dans son tout dernier projet, « Genesis », présenté à la Maison Européenne de la Photographie en 2013.

Travaillant en noir et blanc, Sebastiao Salgado s’est appliqué, depuis ses quarante années de carrière, à donner à comprendre le monde au travers de ses reportages photographiques, travail humaniste pour lequel il a été récompensé. Il s’est lancé dans des projets de témoignages photographiques des différentes situations humaines, dues aux évolutions industrielles ou épargnées par ces dernières, et il s’est engagé auprès de ces populations avec l’OMS, Médecins sans Frontières et l’Unicef. Le camp de Korem est un des premiers camps de réfugiés de la famine de 1984-1985 en Ethiopie. Depuis plusieurs mois, la pluie n’est pas tombée, les terres sont arides et les bêtes meurent. Très rapidement, les populations se regroupent dans ce camp dans l’attente d’une aide humanitaire. Situé en hauteur, les nuits dans le camp étaient glaciales et rudes pour les dizaines de milliers de réfugiés, dont le nombre de morts par jour va atteindre un nombre critique. L’aide de Médecins Sans Frontières sera entravée par le gouvernement éthiopien qui se saisit de ces mouvements de population afin de redessiner la carte démographique du pays. Les premiers photographes qui entreront dans ce camp vont diffuser des images de populations affamées et désemparées et provoquer des mouvements de solidarité internationaux.

Sebastiao Salgado est né en 1944 au Brésil. C’est à partir de 1974 qu’il entame son parcours photographique. Ce sont d’abord des études en économie qu’il va engager à l’université de Sao Paolo puis à la Vanderbilt University aux Etats-Unis, formation qui l’amène à travailler pour l’Organisation internationale du Café. C’est au cours de ces missions qu’il va développer sa pratique de la photographie pour s’y engager complètement en 1973 puis travailler pour des agences de photographie internationales telles que Magnum et Sygma avant de fonder sa propre agence, Amazonas Images avec son épouse en 1994. Il pose, au travers de sa photographie, un regard sur les évolutions de ce monde. Immortalisant d’abord les différents peuples du monde et les différentes conditions humaines, avec des séries comme « Sahel, l’Homme en détresse » (1986) ou « Workers » en 1993,  c’est récemment aux territoires vierges de toutes traces humaines que le brésilien s’est intéressé dans son tout dernier projet, « Genesis », présenté à la Maison Européenne de la Photographie en 2013.

Travaillant en noir et blanc, Sebastiao Salgado s’est appliqué, depuis ses quarante années de carrière, à donner à comprendre le monde au travers de ses reportages photographiques, travail humaniste pour lequel il a été récompensé. Il s’est lancé dans des projets de témoignages photographiques des différentes situations humaines, dues aux évolutions industrielles ou épargnées par ces dernières, et il s’est engagé auprès de ces populations avec l’OMS, Médecins sans Frontières et l’Unicef. Dans le plus grand camp de réfugiés rwandais au Zaïre, à Kibumba, Médecins sans Frontières fait un travail d’organisation des soins et de l’aide humanitaire pour accueillir et subvenir aux besoins des milliers de personnes sur place. Un des éléments les plus importants pour ces populations est l’eau, qui, dans cette région volcanique, ne fait pas foison. Elle doit être acheminée par camions ou transportée dans des barriques par les réfugiés. De l’eau pour s’hydrater mais aussi pour l’hygiène, qui deviendra vite un point essentiel lorsqu’une épidémie de choléra sera déclarée.

Sebastiao Salgado est né en 1944 au Brésil. C’est à partir de 1974 qu’il entame son parcours photographique. Ce sont d’abord des études en économie qu’il va engager à l’université de Sao Paolo puis à la Vanderbilt University aux Etats-Unis, formation qui l’amène à travailler pour l’Organisation internationale du Café. C’est au cours de ces missions qu’il va développer sa pratique de la photographie pour s’y engager complètement en 1973 puis travailler pour des agences de photographie internationales telles que Magnum et Sygma avant de fonder sa propre agence, Amazonas Images avec son épouse en 1994. Il pose, au travers de sa photographie, un regard sur les évolutions de ce monde. Immortalisant d’abord les différents peuples du monde et les différentes conditions humaines, avec des séries comme « Sahel, l’Homme en détresse » (1986) ou « Workers » en 1993,  c’est récemment aux territoires vierges de toutes traces humaines que le brésilien s’est intéressé dans son tout dernier projet, « Genesis », présenté à la Maison Européenne de la Photographie en 2013.

Travaillant en noir et blanc, Sebastiao Salgado s’est appliqué, depuis ses quarante années de carrière, à donner à comprendre le monde au travers de ses reportages photographiques, travail humaniste pour lequel il a été récompensé. Il s’est lancé dans des projets de témoignages photographiques des différentes situations humaines, dues aux évolutions industrielles ou épargnées par ces dernières, et il s’est engagé auprès de ces populations avec l’OMS, Médecins sans Frontières et l’Unicef. Dans le plus grand camp de réfugiés rwandais au Zaïre, à Kibumba, Médecins sans Frontières fait un travail d’organisation des soins et de l’aide humanitaire pour accueillir et subvenir aux besoins des milliers de personnes sur place. Un des éléments les plus importants pour ces populations est l’eau, qui, dans cette région volcanique, ne fait pas foison. Elle doit être acheminée par camions ou transportée dans des barriques par les réfugiés. De l’eau pour s’hydrater mais aussi pour l’hygiène, qui deviendra vite un point essentiel lorsqu’une épidémie de choléra sera déclarée.

Xavier Veilhan (né à Lyon en 1963), artiste emblématique de la scène artistique actuelle, produit des sculptures qui allient avec subtilité réminiscences classiques et matériaux modernes. Ses œuvres suivent une esthétique séduisante allant de pair avec une prouesse technique remarquable.

Jeune fille aux tons sombres mais lumineux, représentée à l’échelle 1/1, et encadrée par deux blocs rectangulaires, Marine prend une position ambivalente au sein de l’œuvre, à la fois prise au piège de ses deux blocs, tout en se révélant au grand jour dans ce cadre des plus valorisants.

Xavier Veilhan interroge ici les fondements de la sculpture dans l’histoire de l’art – à travers la représentation féminine et l’idéal de beauté. Veilhan revisite la pratique artistique avec cette combinaison de tradition et d’innovation, de figuration et d’abstraction – avec ces cubes qui sont aussi un hommage au plasticien / théoricien Donald Judd, figure de proue du minimalisme.

Paul Almásy est né en mai 1906 à Budapest et décédé le 23 septembre 2003 à Jouars-Pontchartrain, en Ile-de-France. Enfant de la haute société hongroise, il fait des études en sciences politiques à Vienne et à Heidelberg et se tourne vers le journalisme. Illustrant ses articles de ses propres prises de vue, au fil de ses missions, il se passionne pour le medium photographique. Envoyé en missions de par le monde, il s’installe en 1938 en France. Au cours de la Seconde Guerre Mondiale, les missions sont moins nombreuses et il est le correspondant de quelques journaux étrangers.

En 1956, Almásy décide de prendre la nationalité française et participe à la fondation des Gens d’Images, association créée par Albert Plécy. A partir des années 1960, il se voit confier des missions de plus en plus importantes : création des archives photographiques du Togo, documents photographiques pour le service d’information des Etats-Unis ou encore le Bureau International du Travail. L’OMS le charge d’un reportage sur une mission dans les régions polaires. Des reportages qui l’emmèneront d’Alaska ou au Cap Horn. En 1973, il enseigne le photojournalisme et publie un ouvrage de référence «Photographe, Moyen d’information». En 1978, il reçoit la distinction de «Maitre de la Photographie» par le Conseil Européen des Photographes Professionnels.

Au cours de sa carrière, il aura aussi l’occasion d’interviewer des hommes politiques tels qu’Eisenhower, Charles de Gaulles et Adenauer mais aussi de prendre le portrait de Breton, Chagall ou Giacometti. Toutefois, c’est aussi dans la photographie du quotidien, des différentes classes sociales et de différents environnements que le photographe Paul Almasy s’illustrera, comme dans la Collection de l’Institut Culturel Bernard Magrez.

Paul Almásy est né en mai 1906 à Budapest et décédé le 23 septembre 2003 à Jouars-Pontchartrain, en Ile-de-France. Enfant de la haute société hongroise, il fait des études en sciences politiques à Vienne et à Heidelberg et se tourne vers le journalisme. Illustrant ses articles de ses propres prises de vue, au fil de ses missions, il se passionne pour le medium photographique. Envoyé en missions de par le monde, il s’installe en 1938 en France. Au cours de la Seconde Guerre Mondiale, les missions sont moins nombreuses et il est le correspondant de quelques journaux étrangers.

En 1956, Almásy décide de prendre la nationalité française et participe à la fondation des Gens d’Images, association créée par Albert Plécy. A partir des années 1960, il se voit confier des missions de plus en plus importantes : création des archives photographiques du Togo, documents photographiques pour le service d’information des Etats-Unis ou encore le Bureau International du Travail. L’OMS le charge d’un reportage sur une mission dans les régions polaires. Des reportages qui l’emmèneront d’Alaska ou au Cap Horn. En 1973, il enseigne le photojournalisme et publie un ouvrage de référence «Photographe, Moyen d’information». En 1978, il reçoit la distinction de «Maitre de la Photographie» par le Conseil Européen des Photographes Professionnels.

Au cours de sa carrière, il aura aussi l’occasion d’interviewer des hommes politiques tels qu’Eisenhower, Charles de Gaulles et Adenauer mais aussi de prendre le portrait de Breton, Chagall ou Giacometti. Toutefois, c’est aussi dans la photographie du quotidien, des différentes classes sociales et de différents environnements que le photographe Paul Almasy s’illustrera, comme dans la Collection de l’Institut Culturel Bernard Magrez.

La nature du processus créatif de Joana Vasconcelos (née en 1971 à Paris) est basée sur l’appropriation, la décontextualisation et la subversion d’objets préexistants et les réalités quotidiennes. Partant d’ingénieuses opérations de déplacement, réminiscence du ready-made, des grammaires du Nouveau Réalisme et du Pop, l’artiste nous offre une vision complice, et en même temps critique de la société contemporaine et les quelques éléments qui servent les énonciations de l’identité collective, en particulier celles qui concernent le statut des femmes, la distinction de classe ou de l’identité nationale. Non sans humour, Joana Vasconcelos interroge les oppositions entre artisanat et industrie, tradition et modernité, mais aussi culture populaire et culture érudite.

En habillant ses sculptures de céramique dans des mailles en coton tricoté, Joana Vasconcelos présente ses animaux dans un écrin délicat. L’artiste portugaise choisit des animaux inquiétants par leur force, leur rapidité ou leur apparence : serpents, méduses ou crapauds, allant même jusqu’à inventer des espèces fantastiques telles que le dragon sous-marin. Ces créatures qui devraient nous paraitre inquiétantes, voire menaçantes, sont finalement toujours minutieusement habillées de dentelles ou de coton de couleur vive. En jouant ainsi sur les matières, Vasconcelos articule son travail sur l’opposition entre animalité et douceur féminine. En 2000, Joana Vasconcelos remporte le prix des jeunes artistes EDP, en 2003 le TABAQUEIRA Award pour l’art public et en 2006, le prix The Winner Takes It All de la Fondation Berardo. En 2012 Joana Vasconcelos est la première artiste féminine invitée à exposer au Château de Versailles.

L’univers très personnel de Jean-Michel Othoniel (né en 1964 à Saint-Etienne, France) est influencé par les contes de fées, les rêves et la psychanalyse. Il prend corps, la plupart du temps, dans des sculptures en verre de Murano, le matériau préféré de l’artiste.

Son œuvre, Géométrie amoureuse, tire son inspiration de plusieurs sources. Les bijoux mésopotamiens, pour commencer, avec une forme très décorative qui se rapproche de celle des fibules. Ensuite, et certainement, un rapport avec la psychanalyse qui questionne la fonction du regard par rapport à l’œuvre d’art et le rôle de cette dernière comme objet fétiche.

Dans la sculpture d’Othoniel, le jeu de regard est particulièrement mis en avant : la grosse perle noire centrale, comme un oeil, semble en effet nous observer et même, nous renvoyer notre regard. Peut-être doit-on y voir l’œil de Méduse ? Ce personnage mythologique avait la faculté de transformer en pierre les personnes qui croisaient son regard. Alors, plus que porteur du désir, le regard serait aussi porteur de l’angoisse de la mort.

Doug et Mike Starn sont deux artistes américains - frères jumeaux, nés en 1961 dans le New Jersey. Diplômés de l’École du Musée d’Art de Boston en 1985, ce binôme artistique occupe une position unique au sein des pratiques artistiques contemporaines de la photographie. Leurs travaux se concentrant principalement sur l’art conceptuel et la photographie représentant le cycle du temps, le changement et l’âge. Remarqués lors de la Whitney Biennale de 1987, ils ont depuis été exposés dans des musées et des galeries de renommés mondiales, alliant des disciplines traditionnelles telles que la photographie, la sculpture, l’architecture.

Structure of Thought est un travail métaphorique sur la lumière et son absorption, à travers des symboles réels tels que les feuilles, les arbres, les papillons de nuit. Composés d’une succession d’impressions de silhouettes d’arbres revêtus de plusieurs couches de cire, d’impression sur tissu, et de photographies recouvertes de vernis, l’œuvre est conçue comme une structure organique en évolution. Présentes dans de nombreuses collections publiques et privées, les œuvres de Doug et Mike Starn sont exposées dans les musées et les galeries du monde entier, parmi lesquels le MoMA, le Metropolitan Museum of Art et le Guggenheim Museum de New York, la National Gallery of Victoria de Melbourne, le Yokohama Museum of Art au Japon et la Maison Européenne de la Photographie de Paris.

Claude Lévêque est né en 1953 à Nevers, vit et travaille à Montreuil (Seine- Saint-Denis) et à Pèteloup (Nièvre). Figure majeure de la scène contemporaine française et internationale, Claude Lévêque déclare avoir une approche traditionnelle de l’art, qu’il conçoit comme un reflet de la société. Les thèmes et les matériaux qu’il travaille sont pourtant contemporains. Ses œuvres sont souvent théâtrales, voire versées dans la dramaturgie.

Elaborées à partir d’objets de notre quotidien, elles participent à créer, une ambiance et des images pouvant aller jusqu’à déranger l’observateur. L’artiste utilise des procédés simples et très narratifs, avec des mots, des couleurs, des lumières et même des odeurs. Une simplicité qui frappe immédiatement l’esprit et en appelle à notre imagination. C’est comme s’il s’agissait de chercher l’histoire qui se cache derrière chaque œuvre, rassembler les fragments d’un récit pour en chercher le sens. Mais ce sens peut s’avérer plus ambigu qu’il n’y parait.



Aveugle est un mot lumineux sur un objet que l’on connaît bien, une porte. Cette association mot / objet agit comme un message, un slogan publicitaire direct et subjectif. Et l’ouvre nous trouble nous trouble. Elle est séductrice : une lumière douce, du bois. Et si le visiteur se retrouve alors partagé entre attirance et répulsion, jusqu’à ne plus vouloir regarder cette œuvre, alors le but de Lévêque aura été atteint : « une œuvre est réussi si celui qui la regarde ne la supporte pas plus de trois secondes».

« J'ai choisi ces photographies en lien avec l'eau pour leur intensité et leur dualité entre eau calme et eau tumultueuse, voire menaçante. L'eau est un élément non maîtrisable, plein de mystère, insaisissable, à l'origine de toute vie, un miroir pour l'homme. (…) Le recours au point de vue élevé et la redéfinition du cadre par la hauteur me conduisent à aller sous le cadre, en profondeur, toucher aux racines, au sens réel comme au sens figuré. »

Diplômée de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-arts de Paris en juin 2010, Claire Adelfang s’intéresse, à travers ses photographies, aux lieux investis ou délaissés par l’homme, sans qualité particulière, sans nom, situés entre le rural et l’industriel. Elle se penche sur la mise à plat de l’objet à photographier sans toutefois le neutraliser. Il s’agit en quelque sorte de replanter les lieux. En photographiant ces sites et ces paysages, Claire Adelfang s’inscrit dans leur perpétuelle et insidieuse modification et cherche à en déceler les strates de mémoire enfouie.

Barrages fait partie d’une série de photographies Edifices, qui nous présente une nature que l’homme a tenté un temps de maitriser, ce qui vient relativiser le calme apparent de l’eau.

Poveglia est une île de la lagune de Venise à l’histoire macabre dont même les pêcheurs n’osent pas s’approcher par peur de découvrir des ossements humains dans leurs filets. A l’époque de l’empire romain, elle fut utilisée pour isoler les victimes de la peste. Au XIVème siècle, elle a eu la même fonction à l’arrivée de la peste noire, 160000 personnes y auraient été brûlées vives après avoir été jetées dans des fosses. La panique créée par cette maladie a été telle, qu’il suffisait de montrer une petite défaillance physique pour y être envoyé. En 1922 un hôpital psychiatrique fut bâti sur l’île. Il y avait des rumeurs persistantes à l’effet que des patients, après leur arrivée, voyaient des esprits tourmentés, victimes de la peste. Le médecin résidant investigua ces phénomènes en conduisant des lobotomies et des expériences médicales. Il semble que celui-ci aurait été victime des mêmes phénomènes et se suicida en se jetant du clocher de l’hôpital. Après ces incidents, l’hôpital fut abandonné et demeure inhabité depuis. Elle n’a plus de propriétaires et son accès est interdit, il est autorisé seulement durant la saison des vendanges pour y récolter le raisin qui y pousse désormais.

Pour l’exposition, Sébastien Vonier, né en 1975 réalise une pièce au centre de laquelle une maquette de l’ile vénitienne semble flotter. Les détails précis permettent de se projeter dans cet univers à l’image des représentations de la promotion immobilière. Dans une étrange objectivité, Poveglia, désormais à vendre, nous est donné à voir dans une blancheur immaculée. Sébastien Vonier est particulièrement inspiré par le paysage en général. Son travail relève autant de la sobriété du minimalisme que de la répartition chaotique du chantier.

Sam Taylor Wood (née en 1967 à Croydon, en Angleterre) est diplômée du Goldsmiths College. Avec plusieurs de ses camarades, elle forme le groupe des Young British Artists dont fait partie Damien Hirst. Pour Self Portrait Suspended I, Sam Taylor-Wood s’interroge sur les notions de gravité et d’apesanteur qu’elle avait déjà explorées dans son court-métrage Ascension en 2003.

Cette photographie est issue d’une série de huit autoportraits dans laquelle l’artiste se donne à voir en lévitation dans son atelier, adoptant une position différente à chaque photographie. Pour créer ces scènes impossibles, Sam Taylor Johnson s’est suspendue à des bandages qu’elle a ensuite fait disparaitre à l’aide de logiciels photographiques. En flottant ainsi dans les airs, sans l’aide de quelques supports visibles, l’artiste tente de figer et de transmettre au public un moment de liberté et d’abandon total.

«  J’aimerais amener l’art dans des endroits improbables. Créer avec les communautés des projets tellement grands qu’ils forcent le questionnement. Tenter, dans les zones de tensions de créer des images qui offrent d’autres points de vue que celles, réductrices, des, des médias globalisées », telle est la démarche de JR (né en 1983), photographe nomade et « clandestin » qui évite les apparitions publiques. Cet artiste a fait de l’exposition sauvage sa propre signature : à travers le monde, il colle ses photos, des images inédites que personne ne voit, le plus souvent des gros plans de visages, sur « des lieux qui font sens ». Ce collage et la photographie qui en découle constituent une première à double tire, pour JR et pour le lieu. Ils sont le fruit d’une longue réflexion et l’expression d’un vrai désir de dialogue entre l’artiste et le Château Labottière, entre sa création et cet emblème du patrimoine historique. En effet, un travail sur l’identité du lieu, son histoire, son esprit et son propriétaire actuel, a donné envie à JR de coller sur la façade classée de l’Institut Culturel Bernard Magrez, un détail agrandi et ajusté à la hauteur de l’édifice d’une gravure intitulé Les apprêts pour Tivoli (1798-1804) qui illustre les préparatifs d’une fête dans un Tivoli. Séduit par le polychrome original de cette gravure, JR déroge à ses habitudes pour créer sa première réalisation en couleurs.

Le choix de ce détail vient de la volonté de l’artiste de rattacher cette gravure à l’histoire du château , puisque Tivoli a été l’une des appellations du château à cette époque. Celui-ci fut construit par l’architecte Etienne Laclotte (1728-1812) en 1773 pour les frères Jacques (1715)-1798 et Antoine (1717-1794) Labottière, éditeurs et imprimeurs à Bordeaux, qui en avaient fait de cette Folie de style néoclassique une véritable maison de réception. Ruinés par la Révolution Française et leurs déboires en tant que journalistes et éditeur du journal Les Affiches, ils sont contraints de le vende. Racheté par un hollandais, Jean Boers, il est alors devenu un lieu de plaisirs et de fêtes champêtres au début du XIXème siècle, sous le nom de Domaine de Tivoli. Pourquoi ? Pour le lien avec l’Antiquité romaine et Napoléon ! En effet, Tivoli est le nom de l’une des Colline de Rome et évoque l’incomparable villa Adriana et ses jardins sublimes. Il devient la source d’inspiration de la Folie Tivoli à Paris construite par le banquier Simon Charles Boutin (1720-1794) ancêtre des jardins à attractions .Ce premier Tivoli parisien était tellement célèbre que lors de sa campagne d’Egypte le général Napoléon Bonaparte (1768-1821 fit construire en novembre 1798 au Caire un lieu de divertissement pour ses soldats ; il le baptisa Tivoli. Les Tivolis étaient désormais connus dans la France entière et Bordeaux se devait d’avoir le sien. Ce fut assez naturellement dans le château Labottière qu’il prit place. On imagine aisément ces jeux, distractions, fêtes et danses lorsque l’on se promène dans le jardin à la française dont il ne reste qu’un demi-hectare sur les dix d’origine.
Faire revenir Arlequin à Labottière-Tivoli, avec son costume métissé, son masque de l’anonymat, sa vie de plaisir et son goût pour la fête, voilà bien longtemps que le Château en révait. JR, qui transforme donc ses formes d’intervention habituelles donne des ailes à ce rêve
 et de la profondeur à la beauté sublime de l’architecture du bâtiment. Celle-ci est figurée par la grâce du personnage féminin qui s’apprête à recevoir ce don d’Arlequin, personnage de la Commedia dell’arte, inventé par le grand dramaturge vénitien Angelo Beolco (vers1500-1542). Comédie de l’art, comédie de la vie humaine, le lieu fait le lien entre la grande générosité de JR et celle de la vocation de cet Institut culturel.

« J‘essaie, dans l’utopie, de résister à la présence envahissante des images en jouant avec elles. » Guy Limone est peintre, mais il a troqué sa palette contre des figurines, des étiquettes et des tubes fluo. Qualifié « d’artiste des statistiques », Guy Limone est entré en art par l’intermédiaire de l’énumération avec une peinture abstraite et minimaliste.

C’est avec humour qu’il détourne les outils forgés par les avant-gardes du 20ème siècle, comme le monochrome ou le tube fluo de Dan Flavin. En homme intègre et sincère, il souligne les absurdités, combat les inégalités, en utilisant toujours le décalage. Artiste du constat mais pas de la résignation, il scrute notre société, révèle ses dysfonctionnements et dénonce ses travers. Guy Limone travaille ainsi sur les questions liées aux changements de couleur, aux territoires, aux statistiques, à l’accumulation et à la miniaturisation.

Dans le cadre de l’exposition La Belle & la Bête, Guy Limone investit le Pavillon d’accueil du Château. Il recouvre entièrement l’espace intérieur de son œuvre Tapisserie Verte, présentée à plusieurs reprises et « réactualisée » pour l’occasion. Pour cette réalisation, il utilise comme matière première les images de couleur verte diffusées par différents supports : magazines, affiches, emballages, qu’il collecte, rassemble, découpe et organise de façon chromatique pour constituer ses « tapisseries ». Il aime « donner à voir autrement toutes ces images dont nos boîtes à lettres regorgent et auxquelles personne ne fait attention », en soulignant que « la couleur est ma règle de base ». Composées de 50 collages regroupant chacun 35 images de 6 cm de côté, soit au total 1750 images découpées, chaque tapisserie est ensuite photocopiée au format A3, en nombre suffisant pour couvrir du sol au plafond, tel un papier-peint, les murs du lieu investi.

C’est la seconde collaboration de Guy Limone avec l’Institut Culturel Bernard Magrez, dans le cadre de sa résidence qui a débuté en septembre 2012. Deux de ses œuvres ont été exposées lors des Journées Européennes du Patrimoine, dans les salles patrimoniales du Château Labottière. Ici, c’est dans l’environnement plus moderne du Pavillon que Guy Limone choisit de s’exercer, accueillant le visiteur dès son entrée à l’Institut et le plongeant dans un univers à la fois jubilatoire, fascinant et hypnotique.

Guy Limone est représenté par la Galerie Perrotin (Hong Kong - Paris). Il est en résidence à l’Institut Culturel Bernard Magrez depuis septembre 2012.

Jamais Renoncer est une commande de Bernard Magrez auprès de l’artiste Benoît Maire (né en 1978 à Pessac, France). Cette commande emprunte la célèbre devise de Bernard Magrez, qu’il applique à son activité d’entrepreneur dans le milieu viticole, mais peut également être transposée à l’univers et au travail artistique de Benoît Maire, qui considère qu’une œuvre d’art n’est en réalité jamais achevée, et qu’il ne faut « jamais renoncer ». Ce film, très éloigné des normes du cinéma actuel, nous présente deux personnages, un enfant et un homme d’âge mûr en train de jouer aux échecs. Le vieil homme dialogue avec lui-même plus jeune, et ensemble ils se font la promesse de ne jamais renoncer, comme s’ils avaient déjà vécu toutes les possibilités d’une vie humaine.

Sigalit Landau (née en 1969 à Jérusalem) est aujourd’hui l’une des artistes israéliennes les plus célèbres dans le monde. Son travail avec la sculpture, l’installation, la vidéo, la photographie et la performance interroge les notions de corps, de lieux, de frontières, d’individu, de société, de réalité et d’utopie. Rendant ainsi son œuvre philosophique ou politique, elle fige alors une image, un objet empreint des enjeux collectifs d’une société ; ses réalisations deviennent alors une sorte de symbole. Sigalit Landau compose un hommage au Néguev, région désertique du sud d’Israël, prenant place dans une oliveraie dans le kibboutz Revivim. Elle nous présente des hommes occupés à la cueillette des olives, appelée « Masik » en hébreu, mais qui signifie également « tirer des conclusions », comme aime le préciser l’artiste.

Avec Tracking Happiness, une fois de plus, Mircea Cantor (né en 1977 à Oradea, Roumanie) prête à son œuvre une esthétique épurée et minimaliste. La surabondance des signes et des informations, dont nous sommes quotidiennement submergés, s’efface ici pour délivrer une image réduite à son essentiel. Le spectateur emporté dans un espace sans repères, hors du temps, se laisse ainsi captiver par le mouvement régulier des balais, la ronde lente des femmes et la musique troublante.

Au sommet des propriétés les plus modernes Thaïlandaises, au pied des maisons les plus modestes, dans les discothèques, les supermarchés, et partout dans le royaume on découvre ces autels décorés qui rendent hommage aux véritables maitres des lieux, qui ne sont pas ceux que l’on pourrait croire…

Miniatures de maisons traditionnelles ou temples à échelle quasi humaine, les Saan phra phum ou « maisons aux esprits » sont partout. Devant les maisons, dans les champs, les rizières et parfois même au bord de la route.

Selon les dires de Somchai Niyomgemka, devin, diseur de bonne aventure et grand connaisseur des esprits Thaïlandais ; « Les esprits sont partout ! Dans les êtres humains, les animaux, les choses et même les villes. Si vous n’êtes pas assez respectueux, l’esprit peut venir s’asseoir sur vous pendant votre sommeil et vous empêcher de dormir, ou bien faire échouer votre business ; il laissera entrer les mauvais esprits (Phii) dans votre maison et là, et tout peut arriver ».

Pour se prémunir de ces malheurs, la Saan est indispensable dans toute construction. Elle permet d’obtenir la protection des génies bienveillants, de contrer les mauvais esprits et les voleurs. On comprend qu’il s’agit bien de parer un réel danger et que ce n’est pas un simple business.

Ces « maisons aux esprits » sont installées par des devins, et une cérémonie s’en suit. Elle ne peut être dirigée que par « un vrai spécialiste de la communication avec les esprits, sinon on peut en mourir ! », affirme Somchai Niyomgemka. Pour la cérémonie les nouveaux arrivants doivent se munir d’offrandes : cinq fruits, des feuilles tissées, des feuilles d’or, de l’argent et du bronze, la date de naissance, une lame violette et magique, une maison acquise dans le commerce, un compas et un devin.

Le rituel veut que le devin commence par chercher sur le terrain l’emplacement idéal pour installer la Saan, orienté au Nord, bien en évidence près de l’entrée principale. L’emplacement doit être plus agréable que celui de la vraie maison, afin que les esprits ne viennent pas ennuyer les nouveaux propriétaires.

Enfin le devin, devra prier pour attirer les faveurs des esprits du lieu ; il devra les séduire avec sa lame magique puis devra creuser un trou dans lequel il placera des incantations ainsi que les feuilles de métal portant la date de naissance des propriétaires et une lame pour aider les esprits à diviser le chaos. Idéalement cette procédure doit avoir lieu avant même la construction de la maison afin que les travaux ne perturbent pas les esprits. Ceux-ci, peu courtois, pourraient commencer à en vouloir aux arrivants alors qu’ils n’ont pas encore fait connaissance. La Saan est ensuite installée au-dessus du trou.

Elle peut être très simple et n’abriter que le couple Jao Thii (esprits du lieu) représenté par deux figurines ; ou ressembler à un temple Khmer au fond duquel on trouve une statue dorée portant une épée représentant l’esprit gardien de la terre. Le plus important est que la maison aux esprits reflète votre richesse et la taille du terrain. Il ne suffit pas de construire une maison miniature, la coutume veut que les arrivants prennent soin de ses esprits, comme une échange de bons procédés : « Je veille sur toi, comme tu veilles sur ma maison et les miens ».

Quand la maison est trop vieille, environ tous les dix ans, il ne faut surtout pas la jeter mais faire revenir le devin qui au terme d’une cérémonie ira déposer la maison au pied d’un arbre sacré. Parfois, quand les Thaïlandais déménagent, cette désacralisation n’a pas lieu, et les maisons sont abandonnées. Celles présentées ici, ont été sauvées dans divers espaces en friche.

Né en 1973 en Thaïlande, Payonyuo Puvijarn U-Savadee est diplômé de l’école des Beaux-Arts de Bangkok où il fut un des meilleurs élèves de sa promotion. Depuis 1994, il expose dans plusieurs pays et dans des galeries internationales où il est remarqué par son talent.

Rapidement attiré par l’art pictural de son propre pays, l’Asie ; son art va s’orienter vers différentes techniques artistiques et types de peintures. La peinture à l’huile, qu’il applique et travaille avec un couteau, correspond tout à fait pour la réalisation de toiles s’inspirant du mouvement impressionniste, où l’artiste reste fidèle à la beauté et aux couleurs de la nature telle qu’on la voit.

Dans les années 90, il acquiert des connaissances sur la technique acrylique. Celle-ci étant basée sur la projection de sable, d'acide et l'application, depuis 2007, d’argent et de feuilles d'or sur la peinture elle-même ; le but étant de donner une nouvelle dimension à son art. Payonyuo Puvijarn U-Savadee participe à plusieurs expositions et concours où il remporte avec succès la première ou seconde place du classement.

Depuis, il a su améliorer ces techniques particulières de manière impressionnante, et sa carrière gagne rapidement de l'ampleur. Les portes des galeries et des expositions internationales s’ouvrent donc à lui ; dont la Galerie des Grands conservateurs qui a cru au potentiel de l’artiste et décide de le représenter. Sa cote va, de surcroit, multiplier au cours des dernières années.

Enfin, il va se lancer dans la peinture photographique et figurative, comme présentée ici. Ce tryptique représente trois moines bouddhistes de Birmanie, reconnaissables à leurs toges orangées et leurs crânes rasés ; qui vont mendier de la nourriture.

Rappelons que dans la religion bouddhiste, les moines sont appelés les bhikkhu, ce qui signifie littéralement « quêteur ». Dans le bouddhisme, ce terme désigne les moines, du fait qu'ils ne peuvent, en principe, mettre de côté de la nourriture, mais doivent la quêter.

Né en 1953 à Nevers, Claude Lévêque vit et travaille dans la ville de Montreuil. Figure majeure de la scène contemporaine et internationale, il déclare avoir une approche traditionnelle de l’art, qu’il conçoit comme un reflet de la société. En 2009, il représente la France à la 53ème Biennale de Venise après de nombreuses expositions internationales. Ses installations, véritables odes à « des rêves de gosse », sont le truchement de sa fascination pour les reflets et les étincelles, pour la musique, qui annonce le ton de chaque œuvre. Réalisée à partir d’objets de notre quotidien, ses œuvres sont souvent théâtrales et participent d’une ambiance et d’images pouvant aller jusqu’à déranger l’observateur. L’artiste utilise pour cela, des procédés simples et directs, composés de notes, de couleurs, de lumières créant ainsi des zones d’impact émotionnelles.

Avec force et parfois violence, ses œuvres s’adressent à l’enfant qui sommeille en chacun. « Riez ! », une requête impérative, forte et humoristique, écrite en majuscule et ponctuée, comme pour accentuer l’importance du message. Les couleurs vives interpellent forcément le visiteur qui, captivé par la luminescence du néon se voit dans l’obligation de lire le message de l’artiste. Une démarche volontaire et engagée est donc menée par Claude Lévêque qui affirme qu’il se doit d’inventer un langage à la lumière, de manière à ce qu’on ne l’appréhende plus en tant que source, en tant que lumière, mais d’avantage dans son impact.

Alan Craig a vécu en Californie puis à la Nouvelle Orléans, dont la grande richesse culturelle l’incite à explorer différentes techniques artistiques. Il étudie l’art à l’Université d’Alabama où il est récompensé pour son excellence. La collection de ses oeuvres est très variée, passant de l’expressionnisme abstrait au réalisme graphique. Chacune d’entre elle est une réflexion unique du créateur.

Ses oeuvres sont réalisées à partir d’images travaillées numériquement puis marouflées sur un support de bois. Les petits personnages en mouvement aux couleurs variées dessinent les parties ombragées de l’oeuvre, ce qui créé un effet de clair-obscur. En variant les couleurs des personnages, des formes, et des formats, l’artiste créé des pièces uniques achevées par l’application de deux couches de laque au fini lustré.

La série « Populus » s’appuie sur la reproduction de portraits reconstituées avec de vrais personnages.

Gérard Rancinan est né en 1953 à Talence. Il entre comme apprenti au service photographique du journal Sud-Ouest à 15 ans et après trois ans de chambre noire, il couvre l’actualité locale. A 21 ans, il est envoyé à l’agence Sud-Ouest de Pau. Il est alors repéré par la jeune agence de photographes Sygma à Paris et ira par la suite couvrir des événements internationaux, sportifs et des tournages de films, des reportages de show business et de mode. A la fin des années 70, il collabore également avec la revue Cahiers de la Corrida. Il quitte Sygma en 1986 pour créer sa propre agence, dont le succès le convainc à redevenir indépendant en 1989, loin des voies trop commerciales. Il sillonne alors le monde pour proposer des reportages sur différents sujets d’actualité, mondiaux ou sociétaux, portraiturant de grandes personnalités. Ses photographies sont des compositions construites et mises en scène, construisant un récit dans chaque image. Celles-ci sont régulièrement publiées en couverture de magazines tels que Paris Match, Life Magazine, Sunday Times ou encore dans Sports Illustrated. Dans les années 1990, c’est Pierre Cornette de Saint Cyr qui propulse le photographe dans le monde de l’art et qui produit l’exposition Urban Jungle à l’espace Cardin de Paris en 2000.


Avec Ming in War, Gérard Rancinan présente ici l’artiste contemporain chinois devant un de ses diptyques Help ! Il met en scène un enfant agenouillé, les mains tendues pour appeler à l’aide. L’artiste chinois s’est ici impliqué doublement dans son œuvre. D’une part moralement, avec un discours engagé et cette image de guerre, et d’autre part physiquement, puisqu’il doit déployer une énergie hors du commun pour réaliser de telles œuvres. Pour le photographe, Ming prend la pose parmi ses pots et ses brosses de peintures, le regard fixant l’objectif. Le spectateur peut tout de suite se sentir observé. L’artiste se fond dans son œuvre, et fait partie de l’œuvre du photographe. Rancinan a ainsi photographié Yan Pei Ming devant ses immenses portraits de La Joconde en blanc, de son autoportrait en rouge et du portrait de Bruce Lee en gris. Toujours dans des tons monochromes, ces portraits de l’artiste devant ses portraits tout aussi monochromes, sont comme l’affirmation d’un discours engagé dans l’art, pour le peintre qui brandit sa brosse, mais aussi pour le photographe, qui saisit son appareil.

Constantin Byzantios, né en 1924 à Athènes est le fils du peintre, illustrateur et décorateur de théâtre, Pericles Byzantios (1893-1972).


Il fait partie de ces nombreux artistes grecs boursiers du gouvernement français. Sous l’occupation allemande et durant la guerre civile qui a suivi la libération de la Grèce, l’Institut Français d’Athènes s’est attelé à défendre les artistes. Ces positions confortent la place de la France dans le cœur des créateurs et intellectuels grecs épris de liberté. Ainsi les grecs, tout comme les artistes russes, italiens et polonais ont contribué à faire de Paris la capitale mondiale de l’art au sortir de la Seconde Guerre Mondiale. En 1945 il arrive en France pour fuir la guerre civile grecque. Il y rejoint l’Ecole de Paris d’après-guerre.

Sa peinture débute par des paysages et évolue vers l’abstraction dans les années 60, par la suite dès 1965 s’opère un retour à la figuration. Pendant six ans il se concentre sur le dessin, préparant la voie à des compostions anthropocentriques de larges dimensions, ainsi qu’à des scènes illustrant la vie urbaine, le tout avec une touche expressionniste. En 1985 il est fait Chevalier des Officiers des Arts et des Lettres par le Gouvernement français et en 1997 sa première rétrospective « 50 ans de Peinture » a lieu à Chalon-sur-Saône en Bourgogne. Constantin Byzantios meurt en 2007 à Majorque.

Boris Mikhailov travaille aujourd’hui entre sa ville natale et Berlin où ce dernier réside en tant que membre de l’Académie des Arts de Berlin. L’artiste photographe documente la vie, la chute de l’ère soviétique, puis les transformations qui l’ont suivie, s’attachant particulièrement aux personnes restées en marge de la nouvelle société capitaliste. Il est aujourd’hui l’un des photographes de l’ex-union soviétique les plus reconnus sur la scène artistique mondiale.

Cette photographie est issue de la série Case History réalisée par l’artiste entre 1997 et 1998. Avec un travail proche du documentaire social, l’artiste nous offre sa perception de la désintégration sociale survenue en Ukraine suite à la chute de l’Union Soviétique en 1989. En dressant le portrait de personnes défavorisées telles que des sans-abris ou des ouvriers en situation de précarité, Boris Mikhailov montre la volonté de rendre compte, à la manière d’un témoignage historique, de l’oppression sociale, des désastres de la pauvreté et de la solitude de ces personnes démunies devant ce nouveau mode de vie en Russie. Cet homme retrouve, sous l’œil de l’artiste, une dignité, une grâce.

Après avoir obtenu un DNSEP à l’École des beaux-arts de Bordeaux, Anna Hess s’est spécialisée dans l’édition à l’Université Paris 3-Sorbonne Nouvelle. Elle travaille depuis comme assistante d’édition et a participé à divers ouvrages d’art et de design.

Depuis 2009, elle fait partie de Speech and What Archive, un projet initié par le duo d’artistes A Constructed World, composé d’artistes, commissaires et théoriciens, jeunes ou confirmés, qui se sont regroupés pour trouver une nouvelle valeur d’usage à la parole et à l’idée d’archive. Ils tentent de définir des méthodes et des pratiques du non-savoir-comme-espace-partagé, par de nombreuses performances, expositions, publications, workshops, tout en éprouvant l’entité du groupe comme instance décisionnelle collective durable, comme forme possible de vivre-ensemble. Anna Hess a notamment co-organisé l’exposition Speech and What Archive – Melbourne Flottante, à la galerie Y3K, Melbourne (Australie) en 2010.

Les éditions d’Anna Hess interrogent la gestion du temps et de l’affectif, notre rapport à la performance, à l’efficacité. Dans l’œuvre Soleil Millimétré, un cliché du romantisme et du beau se dessine à l’intérieur même d’un outil scientifique, rationnel et normé, dans une confrontation simple et frontale.

« J’ai commencé comme artiste commercial et je veux terminer comme artiste d’affaires » semble résumer la carrière d’Andy Warhol (Né en 1928 à Pittsburg, Pennsylvanie, décédé en 1987 à New York. Figure majeure du Pop Art, il débute par une brillante carrière de publicitaire où il réalise des illustrations pour les magazines Vogue et Harper’s Bazaar, des vitrines de grands magasins mais aussi des couvertures de livres et les dessins de pochettes de disque. En 1955, il travaille pour Glamour Magazine, Dance Magazine et le New York Times, et se met à peindre des agrandissements de bandes dessinées ou de billets de banque. Il devient alors un publicitaire et un artiste très célèbre. Egalement photographe, producteur de musique et réalisateurs de film d’avant-gardes avec la Factory, Warhol ne s’adonnera à la peinture qu’en même temps que Roy Lichtenstein, autre figure du Pop Art, au début des années 60. Puisant son inspiration dans les comics, puis des objets de consommation de la culture américaine dont les célèbres boites de Campbell’s Soup, l’artiste se démarque par sa volonté de faire de l’art un produit de masse avec les sérigraphies des portraits de grandes célébrités du XXe siècle. C’est avec une grande ironie qu’Andy Warhol détourne les grands mythes de la société américaine : culte de l’argent et des stars, consommation effrénée ou encore fascination pour la violence. La technique de la sérigraphie lui permettra par la suite de délaisser le travail manuel et la signature pour un rendu neutre proche de l’iconographie publicitaire.

« J’ai commencé comme artiste commercial et je veux terminer comme artiste d’affaires » semble résumer la carrière d’Andy Warhol (Né en 1928 à Pittsburg, Pennsylvanie, décédé en 1987 à New York. Figure majeure du Pop Art, il débute par une brillante carrière de publicitaire où il réalise des illustrations pour les magazines Vogue et Harper’s Bazaar, des vitrines de grands magasins mais aussi des couvertures de livres et les dessins de pochettes de disque. En 1955, il travaille pour Glamour Magazine, Dance Magazine et le New York Times, et se met à peindre des agrandissements de bandes dessinées ou de billets de banque. Il devient alors un publicitaire et un artiste très célèbre. Egalement photographe, producteur de musique et réalisateurs de film d’avant-gardes avec la Factory, Warhol ne s’adonnera à la peinture qu’en même temps que Roy Lichtenstein, autre figure du Pop Art, au début des années 60. Puisant son inspiration dans les comics, puis des objets de consommation de la culture américaine dont les célèbres boites de Campbell’s Soup, l’artiste se démarque par sa volonté de faire de l’art un produit de masse avec les sérigraphies des portraits de grandes célébrités du XXe siècle. C’est avec une grande ironie qu’Andy Warhol détourne les grands mythes de la société américaine : culte de l’argent et des stars, consommation effrénée ou encore fascination pour la violence. La technique de la sérigraphie lui permettra par la suite de délaisser le travail manuel et la signature pour un rendu neutre proche de l’iconographie publicitaire.

Hans Hartung s’enthousiasme dès l’adolescence pour les grands maîtres de la peinture tels que Rembrandt, Le Greco, Goya tout en portant un vif intérêt aux artistes issus de l’expressionnisme allemand. Dès 1922, il peint ses premières œuvres abstraites caractérisées par une profonde singularité. Aux Beaux-Arts de Dresde, le peintre découvre la peinture française et notamment le cubisme et l’impressionnisme, ce qui va l’encourager à s’installer à Paris en 1925.

À Paris, il assimile les recherches plastiques du cubisme et étudie les rapports entre l’esthétique et les mathématiques. Hans Hartung pense que « la perception du monde par l’œil est assez trompeuse ». Selon l’artiste, il est donc essentiel de passer outre cette perception et c’est pourquoi sa peinture s’oriente, avant la Seconde Guerre Mondiale, vers la non-figuration instinctive. Sa pratique artistique est nourrie par l’être entier et par son expérience sensible du monde et accorde une importance considérable à ce qui se fait « dans la vitesse de l’instantané ».

Les peintures de Hans Hartung sont, jusqu’au début des années 50, anarchiques et révoltées, mais l’artiste tend à s’apaiser et sa gestuelle picturale change progressivement. Au début des années 1960, son tracé devient plus souple et, dès 1970, apparaissent sur ces toiles d’amples signes noirs que l’on retrouve dans la série Farandole. Outre la peinture, l’artiste s’exprime au travers de nombreuses techniques telles que le pastel ou encore la gravure.

Pour cette lithographie réalisée en 1971, on retrouve l’importance accordée à la vitesse, qui est une des caractéristiques essentielles du travail du peintre. Cette vitesse, Hans Hartung la ressent, selon les mots de Dominique Aubier (historienne de l’art), comme une « nécessité spirituelle » et veut en conquérir les « pouvoirs » pour les transposer sur la toile.

«  J’aimerais amener l’art dans des endroits improbables. Créer avec les communautés des projets tellement grands qu’ils forcent le questionnement. Tenter, dans les zones de tensions de créer des images qui offrent d’autres points de vue que celles, réductrices des médias globalisées », telle est la démarche de JR (né en 1983), photographe nomade et « clandestin » qui évite les apparitions publiques. Cet artiste a fait de l’exposition sauvage sa propre signature : à travers le monde, il colle ses photos, des images inédites que personne ne voit, le plus souvent des gros plans de visages, sur « des lieux qui font sens". C'est ainsi qu'il a développé de nombreux projets dont "Women are heroes", portraits de femmes qui de par le monde défendent leur place ou encore dernièrement "Inside out", proposant au monde entier de faire des groupe d'actions portraiturés afin de défendre un message.

Le projet des "Wrinkles of the city" ("Les rides de la ville") a commencé à Caragena en Espagne, où il a photographié des vieilles personnes, mettant en avant leurs rides comme des métaphores des sillons, de la texture et de l'histoire de la ville. Il a reproduit ce projet à Shanghai, Los Angeles et Berlin. En 2012, il s'est associé à l'artiste américain José Parlà pour faire une installation urbaine de ce pojet à l'occasion de la Biennale de La Havane. Pour cette occasion, ce sont 25 séniors qui ont vécu la révolution cubaine qui ont été photographiés et leurs portraits agrémentés de dessins calligraphiques de José Parlà, dont les origines sont cubaines. Ces portraits alternent alors avec les figures politiques qui sont le plus souvent affichées sur les murs de la capitale cubaine. Sur l'œuvre de la Collection de l'Institut Culturel Bernard Magrez, c'est un couple qui a été photographié. Rafael Lorenzo et Obdulia Manzano ont été immortalisés dans les bras l'un de l'autre, visages collés, les yeux fermés. Ils semblent emportés dans une pensée positive, un souvenir commun, de leur heureuse vie à deux. Lui, affirmant ce souvenir, elle encore en train de le savourer.

Né en 1936 à Golfe-Juan, Martial Raysse fut à la fin des années 1950 un peintre abstrait assez reconnu. Avec le temps, il cessa subitement de peindre pour se consacrer à l’assemblage d’objets en plastique obéissant à ce qu’il appelait «l’hygiène de la vision», concept censé répondre à la modernité du monde et à la société de consommation de l’époque. Ce fut un succès immédiat.

Plus tard, il deviendra membre du mouvement des nouveaux réalistes (tels qu’Arman, Hains, Tinguely…), qualifié comme le « Grand artiste pop français ». Période durant laquelle l’artiste multiplie les innovations, avec notamment une utilisation inédite des néons et du film à l’intérieur même de ses peintures.

Revisitant aussi les archétypes féminins popularisés par la publicité et les maîtres du passé avec une même insolence et une virtuosité hors pair, ces œuvres l’ont placé dès les années 1960 au premier rang des artistes internationaux. Raysse renouvelle ensuite sa pratique, durant ses « années chamaniques », où il se place volontairement en retrait du monde de l’art et des courants dominants, avec une production de films expérimentaux et les célèbres séries Coco Mato et Loco Bello. Qualifié comme « l’homme des ruptures » par la variété de son travail, Martial Raysse est donc un artiste français de renommée internationale, avec une trajectoire très singulière.

Cette statue en bronze à cire perdue et peinture date de 1991. Elle représente un homme nu, trapu, la coupe au bol ; érigeant vers le ciel un coq coloré, emblème politique et patriotique français. D’ailleurs le titre de l’œuvre « Liberté chérie » est assez évocateur, puisque c’est une expression tirée du sixième couplet de La Marseillaise, l'hymne national français.

Connu pour son humour grinçant et sa maitrise des techniques artistiques les plus diverses, Wim Delvoye se fait connaitre dès les années 90 via ses porcs tatoués, ses engins de chantier élevés au rang d’édifices gothiques, ou encore ses cathédrales métalliques aux vitraux érotiques. Tous les médiums classiques se mélangent dans son œuvre, pour un geste qui ose mêler aujourd’hui, dans la tradition flamande du Moyen-Âge d’un Pieter Brueghel, le trivial du quotidien au politique et au sacré.

L’œuvre Sans titre (Car Tyre), appartenant à la Collection Bernard Magrez, fait partie d’une série de pneus de camions sculptés et gravés à la main, réalisée par l’artiste entre 2007 et 2009. Il s’agit d’exemplaires uniques dont les motifs floraux, arabesques ou encore formes géométriques ne sont pas sans rappeler le vocabulaire ornemental du Moyen-Âge.

L’artiste, collectionneur d’art médiéval, entretient une relation forte avec l’art ancien, et en particulier l’art gothique. Sa réappropriation de l’art médiéval sur des objets industriels du quotidien peut se lire à la fois comme la parodie d’une forme artistique galvaudée, mais aussi comme un véritable hommage aux prouesses des architectes et artisans du passé.

Victor Vasarely est né en 1906 en Hongrie, décédé en janvier 1997 à Paris. De ses brèves années d’études il va conserver une volonté presque scientifique d’accumuler les connaissances avec méthode et objectivité. En 1929, il entre à l’académie Mühely, une école des Beaux-Arts qui applique les principes du Bauhaus, célèbre école des arts et métiers, fondé en 1919 et qui a marqué l’architecture moderne. D’éminents artistes y ont enseigné tels que Vassily Kandinsky, Paul Klee, que Viktor Vasarely rencontrera et qui le laisseront marqué par l’abstraction, alors que le cubisme, le surréalisme, l’optique et la couleur le fascinent. En 1930, il quitte Budapest et s’installe à Paris où il travaille comme graphiste et conseillé artistique dans de grandes agences de publicités. Il poursuit alors ses recherches sur la perspective, les jeux d’ombre et de lumière ainsi que sur l’abstraction. En 1965 est exposé au MoMA de New York pour « Responsive Eye » initiée par Willian G. Setz. Cette exposition présente ce que l’on va alors appeler l’Op Art et dont Victor Vasarely est considéré comme le créateur. L’exposition du MoMa influencera et popularisera le mouvement aux Etats-Unis et en Europe. Par la suite de nombreux artistes pratiqueront cet art de manière plus ou moins complète, de Daniel Buren à François Morellet en passant par Alexander Calder.

L’Op Art est un principe artistique travaillant sur l’illusion d’optique. Ce mouvement peut se définir par l’exploitation de l’œil du spectateur à travers des illusions et des jeux d’effets optiques purement visuels – à la différence du cinétisme. Il en résulte des œuvres abstraites et colorées donnant une impression de mouvement et de lumière. La première œuvre majeure de Victor Vasarely, Zebra (1938), réalisée pendant sa carrière de graphiste à Paris, est considérée comme le premier exemple de l’Op Art. Elle dévoile des bandes diagonales noires et blanches tordues, contorsionnées donnant l’illusion d’un zèbre assis. Ici, c’est un jeu sur la contorsion des carrés qui crée l’impression de trois demies-sphères volumineuse. Le jeu des couleurs est celui du couple complémentaire bleu et orange de leurs camaïeux vers le contraste le plus sombre. Seuls les carrés jaunes, posés sur leur pointe, conservent leur unique teinte.

Tania Mouraud est née à Paris en 1942. Ses premières rencontre avec le monde de l’art remontent lors de son séjour en Allemagne, de 1960 à 1965 où elle rencontre les membres du groupe Zéro et assiste aux happenings de Joseph Beuys et aux manifestations Fluxus.

Sa pratique picturale est régulière à partir de 1963, avec des tableaux peints au couteau, abstraits, matiéristes et gestuels. En 1969, elle brûle sa production picturale. Un tel acte symbolise la quête d’une nouvelle recherche expressive. « J’ai cherché longtemps dans la peinture ce que je ne pouvais pas trouver – en fait, je me trompais, j’avais essentiellement besoin de la troisième dimension pour m’exprimer – de volumes. Continuer sur les deux fronts aurait été pure hypocrisie de ma part ».

Artiste de tradition conceptuelle son travail questionne la perception  par la stimulation des sens dans des environnements qu'elle réalise à la fin des années 1960.
Dans la décennie suivante, elle interroge plus particulièrement la définition de la peinture ainsi que ses modes de perception et de réception dans notre société. Elle intègre la dimension sonore dans son travail dès les années 1960, puis, récemment, la vidéo, discipline dans laquelle elle s'impose internationalement.
Ad Infinitum est la locution latine qui signifie à l’infini.

Ici les baleines se réfèrent à “la continuité du monde, sa naissance et sa survivance dans notre ère industrielle”. Cette vidéo exprime autant la puissance que le mystère de la vie. Dans la continuité de ses vidéos prenant comme point de départ les animaux, en 2007, Tania Mouraud est partie en 2007 filmer au Mexique les baleines grises. Celles-ci migrent chaque année dans les lagons de Baja pour s’y reproduire avant de reprendre leur voyage vers l’Alaska. Les cétacés, sublimés par le travail de l’image en noir et blanc, représentent pour l’artiste la continuité de notre monde. En effet, la présence de ces mammifères ancestraux au sein de notre société industrielle apporte une dimension réconfortante et une preuve que la cohabition entre l’homme et une espèce d’un autre temps est encore possible. Grace au montage sonore mené par l’artiste, sur la respiration des baleines et les bruits de rouages mécaniques du moteur de la barque, Tania Mouraud nous confronte à notre l’anxiété contemporaine et plonge le spectateur dans un état méditatif.

Pierre Soulages est né en 1919 à Rodez. Déjà peintre, c’est lors d’un séjour à Paris qu’il découvre le travail de Cézanne et Picasso. Mobilisé pendant la Seconde Guerre, ce n’est qu’en 1946 qu’il s’installe à Paris afin de se consacrer pleinement à la peinture. Ses toiles abstraites et sombres, où le noir domine, sont aussitôt remarquées sur la scène internationale tant elles diffèrent de la peinture à demi-figurative et très colorée de l'après-guerre. En 1979, Pierre Soulages expose au Centre Georges Pompidou ses premières peintures mono-pigmentaires, utilisant le « noir-lumière » ou « l’outre-noir ». Ce travail est fondé sur la réflexion de la lumière par les états de surface du noir. En 2010, à l’occasion des 90 ans du peintre, le Centre Pompidou consacre cette fois-ci une grande rétrospective à cette figure majeure de l’abstraction française.

L’œuvre imprimée de Pierre Soulages est plus restreinte que son œuvre peinte, bien que l’artiste ait manifesté un intérêt profond pour différentes techniques d’impression comme la gravure, la lithographie et la sérigraphie. Ces gravures ou lithographies n’ont jamais été réalisées de manière régulière, mais par période, que l’artiste qualifie de « crise ». « Pour la gravure comme pour la peinture, je travaille poussé par une passion […] J’aime bien me jeter à fond dans une technique et ne penser qu’à ça, oublier que je suis, que j’ai été peintre. »

Il réalise également durant trente ans des séries d’estampes qui vont accompagner son travail de peinture jusqu’à la découverte de l’outre noir qui le fait passer à une « peinture autre ». Le dépouillement de ses constructions, la sobriété radicale de sa peinture de geste, le caractère contenu de l’énergie qui s’y déploie évoquent néanmoins les traits d’un calligraphe. Sa « peinture de geste » reste jusqu’à ce jour fidèle à cette même réduction de moyens, parfois perçue comme l’expression d’une sereine gravité, parfois comme celle d’une force vitale dénuée de sentimentalisme mais empreint d’une grande spiritualité.

L’artiste britannique Peter Doig ( né en 1959 à Edimbourg ) exploite dans ses images des sources photographiques hétéroclites ( cartes postales, sites internet, magazines… ) qu’il assemble et travaille au travers de peintures mais aussi de différentes techniques d’impression comme la lithographie ou la sérigraphie.

La composition de la sérigraphie Canoë Island rappelle une des peintures les plus célèbres de Peter Doig 100 years ago ( 2001 ). On y retrouve un canoë ainsi qu’une île en arrière-plan. L’image du canoë est inspirée par le film Vendredi 13 ( film d’horreur américain réalisé par Sean S. Cunningham en 1980 ) et l’ile représentée en arrière-plan est celle de la Trinidad dans les Caraïbes, où l’artiste s’est isolé depuis 2002. L’assemblage des différents éléments crée un univers entre utopie et mirage. Cette impression est renforcée par la mysticité de cette scène grâce aux couleurs saturées, aux effets de solarisation et au travail de la matière.

Le personnage installé dans le canoë est une reproduction de la rock star Berry Oakley, choisi par l’artiste pour son apparence mystique oscillant entre figure christique et hippie. L’artiste dit : « ce qui m’intéresse, c’est la figure archétype de ce personnage ». Ce qu’il recherche, c’est l’universalité de la figure qui évolue dans une atmosphère ambiguë où l’homme remet en cause sa place dans la nature.

Moataz Nasr (né en 1961 à Alexandrie) s’impose désormais comme l’un des artistes égyptiens les plus importants de sa génération. C’est après des études d’économie, qu’il commence sa carrière artistique en installant son atelier dans le vieux Caire.

Moataz Nasr est un artiste polyvalent, utilisant la peinture, la sculpture, la photographie, la vidéo pour mettre en place des installations qui laissent une grande liberté d’exploration au spectateur. Son travail est marqué par sa culture égyptienne, et le processus de mutation entamé dans le monde islamique. Les symboles d’appartenance, jusque-là sujet de divisions et de conflits, deviennent des abstractions symboliques ouvertes à tous.

Le nom de cette œuvre en est le reflet. Intitulée Khayameya, elle porte le nom d’un métier d’art ancestral égyptien, celui de la fabrication de tentes. C’est aussi le nom utilisé pour désigner une rue au Caire où sont rassemblés tous les fabricants traditionnels de tentes qui ont dû, pour survivre, diversifier leurs supports. Désormais, ils réalisent leurs peintures sur des étoffes murales. Ici, l’artiste s’inspire de ces dessins traditionnels pour réaliser des œuvres composées de milliers d’allumettes. Des allumettes organisées tel un motif oriental, mais qui insiste sur le potentiel inflammable des tensions que connaît actuellement la région.

Martin Dammann est né à Friedrichshafen, en Allemagne en 1965. Il étudie aux Beaux-Arts de Brême puis à Berlin. Diplômé en 1995, il enchaîne les expositions et remporte plusieurs prix dont celui du ZKM de Karslruhe. L’œuvre de Martin Dammann porte sur les multiples aspects de la relation entre les images et ce qu’elles représentent. Celle-ci se ressent particulièrement lorsque le contenu des images se révèle pesant. C’est par exemple le cas de la photographie de guerre, devenue un point de départ important dans le travail de l’artiste, et qu’il emploie dans un grand nombre de supports, aquarelles, dessins ou travaux de photographie ; mais également en vidéos, frottages et installations. Chacun des éléments des œuvres, comme la technique de peinture, le contenu, le format et le titre, est souligné, souvent en contradiction avec les autres. Ainsi naît une sorte d’équilibre n’autorisant plus aucune interprétation à même de les réunir tous. Ce n’est plus un message de l’artiste au spectateur, celui-ci doit se sentir libre d’observer et analyser ses réactions et ses interprétations face aux œuvres. Martin Dammann a reproduit, le plus souvent en les agrandissant, une douzaine de photographies noir et blanc, extraites d’albums tenus par des soldats allemands de la Seconde Guerre mondiale, clichés sur lesquels ces derniers apparaissent travestis en femmes.

A l’autre extrémité de son travail, de grandes aquarelles colorées, dont les motifs sont eux aussi empruntés à des photographies. Sur papier ou sur film plastique, les tâches d’eau teintes de Martin Dammann esquissent des groupes, parfois un couple, posant face à l’objectif. On y distingue les hommes des femmes, l’environnement, un paysage ou une route, un pont, quelques détails dans la coiffure ou le vêtement qui datent la prise de vue, tandis que des éléments nous échappent à l’intérieur des contours incertains.